Reviews 2022/2021

Timechild – And Yet It Moves

Jaar van Release: 2021

Label: Mighty Music

Timechild’s debuutalbum “And Yet It Moves” genaamd, komt in november uit, om het album te bemachtigen moet je een kleine 2 weken wachten, het wordt namelijk uitgebracht op een klein label. De nieuwgevormde Deense heavy rockband gaat van start met een set nummers die zwaar, compact en melodieus zijn, aanbevolen als je van Black Sabbath & Deep Purple houdt.

Timechild is een klassiek geschoolde heavy rockband uit Kopenhagen, Denemarken. Het geluid van de band bestaat uit een krachtige en aanwezige leadzang, karakteristieke dubbele gitaren en atmosferische vocale harmonieën, die samen hun unieke Scandinavische expressie creëren.

Timechild werd in 2020 opgericht door vier doorgewinterde muzikanten uit verschillende hoeken van Denemarken. Met uitgebreide ervaring in het verleden in een aantal voormalige en bestaande Deense rock- en metalbands, hadden de leden hun paden al gekruist op zowel op de Deense als internationale podia. Toen de gelegenheid zich voordeed, besloten ze hun muzikale ervaringen en visies te verenigen en creëerden ze Timechild.

Het debuutalbum is geschreven en opgenomen tijdens de wereldwijde Covid-19-pandemie, die de Deense en internationale muziekindustrie lamlegde. Deze stilte gaf de band echter de tijd om gezamenlijk hun gemeenschappelijke klank en expressie te ontwikkelen. De visie vanaf het begin was om te laten zien hoe heavy rock het publiek zelfs in 2021 kan blijven uitdagen en verrassen. Hoewel de basis van de band duidelijk wordt gelegd door de rockgiganten uit het verleden, wordt Timechilds inspiratie gehaald uit zowel tijd als genres. De mogelijkheid om in de muziekgeschiedenis van de afgelopen decennia te duiken en daarmee je eigen geluid te bepalen, is een van de grootste privileges die hedendaagse muzikanten tot hun beschikking hebben. We kunnen leren van het verleden zonder achterom te kijken of onorigineel te zijn en we kunnen relevant en innovatief zijn zonder een nieuw genre te hoeven definiëren.

Dezelfde mentaliteit geldt ook voor de teksten van Timechild. De titel van het aankomende debuutalbum “And Yet It Moves” is volgens de legende de laatste zin die de natuurkundige en filosoof Galileo Galilei uitsprak nadat het Vaticaan hem dwong zijn wetenschappelijke overtuiging te herroepen dat de aarde om de zon draait en niet om de zon.  Dus omgekeerd. Juist deze menselijke zoektocht naar het doel van ons eigen bestaan ​​en de strijd om onszelf boven de natuurwetten te verheffen, zijn terugkerende thema’s in het tekstuele universum van het album.

Bijvoorbeeld het nummer “Shrapnel” dat voorbij zal komen. Voorzichtig met een lichte melodie en een ingetogen zang die je in slaap sust. Maar voordat je als gehypnotiseerd in slaap valt en in dromenland verdwijnt, krijgt het nummer een wending en ben je weer helemaal terug.

“The Bite Of The Frost” gebruikt een vergelijkbare tactiek. Een ingetogen nummer in de eerste helft zonder zware riffs, maar met veel warmte en melodie in het geluid. Een vrolijk, levendig intermezzo volgt. Maar dan gaat het over in eent nummer met keiharde riffs.

Met funky nummers als “Last Frontier” of “Haze Of Dawn”, die het flink laten kraken, laat de band horen over enige diversiteit te beschikken. Met “Last Frontier” ontketent Thimechild een wilde rit met groovy gitaren en furieus drumwerk aan het begin. Dan beukt het nummer weg. Ook hier valt de fantastische charismatische stem van zanger Anders Follow Brink op.

De plaat is geproduceerd, gemixt en gemasterd door Soren Andersen (Glenn Hughes, Jesper Binzer, Thundermother, Marco Mendoza, Artillery). Met zijn enorme ervaring in het genre, zowel als producer als als muzikant, was Soren een natuurlijke keuze wanneer de nummers van de band vereeuwigd moesten worden. Het resultaat zijn negen nummers die het brede dynamische bereik van de band laten zien. Van rustige, donkere en melodieuze passages tot overdonderende dubbele gitaren en energieke heavy rock. Met “And Yet it Moves” is Timechild klaar om het publiek te imponeren met hun expressie van heavy rock anno 2021.


Land Of Gypsies-Land Of Gypsies

Jaar van Release: 2021

Label: Frontiers

Land Of Gypsies, voorheen bekend als Gang Of Souls, is een nieuwe band uit Los Angeles met zanger Terry Ilous (XYZ, ex-Great White), producer/bassist Fabrizio Grossi (Glenn Hughes, Supersonic Blues Machine, Eric Gales, enz.), gitarist Serge Simic (The Slam, Supersonic Blues Machine), Eric Ragno op toetsen en drummer Tony Morra.

Frontiers Music Srl zal op 10 december het titelloze debuutalbum van LAND OF GYPSIES uitbrengen. De officiële videoclip voor de eerste single van de schijf, “Shattered”, is op de website te zien onder het menu muziekvideos, je klikt op 2021 en ziet hieronder ook dit nummer te zien.

Het kwartet bracht tijdens de pandemie van 2020 de tijd door met het ontwikkelen van hun klassieke en melodieuze hardrockgeluid met een extra solide bluesbasis (denk aan Bad Company en het oude Foreigner) om de stem van Ilous aan te vullen. Voor mij is het verrassend om Illous weer te horen, heb nog steeds zijn debuutalbum van XYZ ook XYZ genaamd. Dit album sprak destijds aan vanwege zijn stem. Ilous zegt zelf “Mijn hele carrière draait om het maken van de beste muziek die ik kan. “Land of Gypsies stelt me ​​in staat om me te concentreren op de muziek en te groeien als artiest, terwijl ik ook mijn horizon kan verbreden, zowel nationaal als internationaal. Ik ben zeer vereerd om deel uit te maken van zo’n geweldige selectie van talent op het Frontiers-label.”

Bassist Grossi voegt toe: “Ik ben erg enthousiast om met mijn vrienden aan dit nieuwe avontuur te werken. Terry is het middelpunt en ik ben er zeker van dat nog meer los zal maken, dan dat hij deed met XYZ’s debuut en toen hij bij Great White was. Deze plaat vertegenwoordigt het soort rechttoe rechtaan rockmuziek dat ons echt in beweging brengt. Uit de as van LA’s Gang Of Souls herrijst Land Of Gypsies, met veteraan-rocker Terry Ilous op zang, oprichter van XYZ en voorheen van Great White, en producer en bassist Fabrizio Grossi.

Een paar albums die ik graag even wil uitlichten zijn ‘XYZ’ en ‘Hungry’, beide van de band XYZ met zanger Terry Ilous en bassist Pat Fontaine. Twee Franse rockers die ergens in de jaren tachtig van geboorteplaats Lyon naar Los Angeles verhuisden om hun rock-‘n-roll-dromen te volgen. Vooral het in 1989 door Don Dokken geproduceerde eerste album stond bol van explosieve heavy rock met sublieme zang van Ilous die een bereik liet zien dat bijna ongeëvenaard was. Er werd voorspeld dat de band een grote toekomst tegemoet zou gaan en na dat eerste album pakte Capitol/EMI de band op. Hun album ‘Hungry’ uit 1991 (met Neil Kernon en George Tutko als producers) was niet zo explosief als het debuut maar nog steeds erg goed. Toch gebeurde er niets voor de band die voor hun derde plaat ‘Letter To God’ terechtkwam op MTM Records.

Tegen die tijd was de grunge-beweging begonnen, dus de interesse voor bands als XYZ en vele anderen was bijna vrijwel afgenomen. De band is voor zover ik weet nog steeds samen, maar heeft recentelijk geen materiaal uitgebracht. In de periode 2010-2018 zong Terry Ilous ook bij Great White als vervanger van Jack Russell en bracht in die periode twee albums uit die oké waren maar niet extreem spectaculair op zijn zachtst gezegd. Ergens in 2018 was volgens Great White-gitarist Mark Kendall de chemie tussen Ilous en de rest van de band weg en moest Ilous op internet lezen, dat hij was vervangen door Mitch Malloy.

Nog een keer in capsulevorm: Land Of Gypsies speelt klassieke rock die zijn wortels vindt in de melodieuze heavy rock van weleer uit de jaren zeventig, die op zijn beurt vaak werd doordrenkt met veel nadruk op blues en groove. De karakteristieken van de songarrangementen zijn vanzelfsprekend: riffs die sterk en assertief zijn (maar niet zo scherp of bijtend), een ritmische sectie die een diepe groove neerzet gedreven door krachtig baswerk, een aardse textuur van Hammond-orgel en overgoten af door energieke, slanke gitaarsolo’s. Dit alles wordt verpakt in onderliggende bluesgroove en getemperd door de soulvolle zang van Ilous en de prima begeleidende vocale harmonie. Echt, er is hier niets “nieuws”; dit is geen alt rock of moderne rock of een poging om rockmuziek op zijn kop te zetten. Nee. Land Of Gypsies speelt organische, bijna rootsrevival,klassieke en melodieuze heavy rock.  Mijn favoriete nummers: Runaway, Long Summer Day, Shattered, Believe en Somewhere Down The Line. Aanbevolen.


Hitten – Triumph & Tragedy

Jaar van Release: 2021

Label: Holy Roller Records

Deze vijf Spanjaarden afkomstig uit Murcia hebben een enorm, arena-vriendelijk metalgeluid en ze hebben op Triumph & Tragedy genoeg pakkende nummers gesmeed met toegankelijke refreinen. Wat er aan Hitten ontbreekt? Misschien aan originaliteit, maar ze maken het meer dan goed met puur talent en geweldige songschrijfvaardigheden. In feite hadden ze uit de klassieke metalscene uit 1986 kunnen worden geplukt en in 2021 zijn gedropt, gewoon om ons  mensen ertoe te brengen om de boel op te vrolijken, opnieuw te leren hoe we onze vuisten in de lucht kunnen pompen als echte klassieke metalheads en opnieuw- leren leven met positieve roekeloze overgave.

Het is een band, die hun metalen kompas volgt, dat hen naar de op jaren 80 geïnspireerde heavy metal leidt. Hitten is in 2011 opgericht en in 2012 is hun debuut EP ‘Shake The World’ uitbracht. Het eerste volledige album ‘First Strike With The Devil’ van de band werd uitgebracht in 2014, met hun tweede en derde album – ‘ State Of Shock’ en ‘Twist Of Fate’ verschijnen respectievelijk in 2016 en 2018. ‘Triumph & Tragedy’ is Hittens vierde  en volledige album en werd uitgebracht in 2021.

Triumph & Tragedy vertelt over het lot, over geloof. Je weet nooit waar het pad dat je hebt gekozen je zal leiden, het kan een triomf zijn, het kan een tragedie zijn. Elke dag maken we keuzes en elke dag hebben we te maken met de keuzes die we hebben gemaakt … Zo gaat dat nu eenmaal … maar wees niet bang voor het kronkelige pad, blijf gewoon je eigen richting volgen en wees op je hoede. Je weet nooit wat je aan het eind zult vinden.

Bij het beluisteren van het album moest ik denken aan bands als het eerdere Dokken, vleugje Dio en Def Leppard. Hitten neemt de geest van deze bands en brengt deze over naar het hier en nu.

De productie op Triumph & Tragedy is monumentaal, helder en perfect waarbij elk instrument krachtig klinkt. Met name Hitten’s leadgitaristen Dani Meseguer en Johnny Lorca scheuren op dubbele lead-aanvallen die Judas Priest’s KK Downing en Glenn Tipton’s grootste respect waard zijn. Zanger Alexx Panza heeft het vocale talent van zangers als Scorpions Klaus Meine of Joe Lynn Turner en slaat elke noot met hartstochtelijke precisie.

Naarmate de band groeide, is hun geluid ook gegroeid – Hitten levert nu een mengeling van heavy metal en hardrock, met een enorm melodisch randje. Het nieuwe album van de band bestaat uit tien nummers die in een tijdsbestek van vijftig minuten aanstekelijk en zeer memorabel zijn. ‘Built To Rock’ opent het album met een Van Halen-achtige gitaarriff, die vervolgens de zintuigen prikkelt met laaiende gitaren en daverende drums. Vol energie is ‘Built To Rock’ een kurkentrekker van een openingssalvo, met ‘Eyes Never Lie’ een waardig vervolg.

We gaan verder Hitten en er volgt een meer mid-tempo nummer met de hardrock branie van ‘Meant To Be Mean’. De energie van de vorige twee nummers is volledig in toom gehouden. Het energieniveau keert terug naar normaal met ‘Hard Intentions (Secret Dancer)’ . Een samensmelting van twee muziekgenres – heavy metal en hardrock (vergelijk met het oude Dokken). Door het tempo en de bombast op te voeren, is ‘Ride Out The Storm’ een nummer in de trant van traditionele metal het intro heeft wel wat weg van Dio. Het snelste nummer dat tot nu toe is ten gehore is gebracht. Bij het volgende nummer wordt even op de rem getrapt en is ‘Core Of The Flame’ een ballad.

‘Under Your Spell’, dat de recente teruggang van het album in stand houdt, schrijdt voort, zij het met veel meer energie dan het vorige nummer. Het aanstekelijke karakter dat Hitten over dit album heeft uitgestrooid, getuigd van enige klasse. Met ‘Light Beyond The Darkness’ keert ‘Triumph & Tragedy’ (het album) terug naar het rijk van de heavy metal. Het galopperende ritme, het aanstekelijke meezingende refrein. Het vervolg is een balladachtig nummer ‘Something To Hide’ waarbij je de aansteker in de lucht kunt gaan houden. Een knappe adempauze met betrekking tot het tempo en de energie van het album tot nu toe.

Het titelnummer is trouwens de afsluiter van het album en in plaats van het kort en bondig te houden, begint Hitten aan een elf minuten durende poging. Het is niet eenvoudig om de spanning levend te houden voor zo’n muzikale marathon, maar het nummer is een waardige afsluiter van een langspeler die als hommage kan dienen aan de glorieuze jaren ’80. Belangrijk is dat Hitten zich laat inspireren door deze hoogtijdagen van melodieuze metal en de tijdgeest leeft zonder een standaardformule te kopiëren. Ze vonden hun eigen muzikale identiteit wat leidt tot een interessant album met veel positieve energie erin. Dit album is meer een triomf dan een tragedie.


Sixx: AM – ‘Sixx: AM Hits’

Jaar van Release: 2021

Label: Better Noise

Hij is een rocksuperster en een bestsellerauteur. Nikki Sixx, geboren als Frank Carlton Serafino Feranna (San José (Californië), 11 december 1958) is een Amerikaans bassist en songwriter. Op 22-jarige leeftijd heeft hij officieel zijn naam laten wijzigen in Nikki Sixx, omdat hij niets meer met zijn vader te maken wilde hebben. Sixx was in de jaren 80-’90 de bassist en songwriter van de glam metal groep Mötley Crüe.

Sixx is het meest beruchte lid van Mötley Crüe en tevens een van de meest populaire rocksterren uit de jaren 80. Zijn decadente levensstijl en overmatig gebruik van drugs zijn hem in 1987 bijna fataal geworden. Sixx werd doodverklaard na een overdosis heroïne, maar artsen hebben hem toch kunnen reanimeren door hem twee injecties met adrenaline rechtstreeks in zijn hart te spuiten. Sixx zelf vond dit een ludieke toestand en sprak achteraf de volgende boodschap in op zijn antwoordapparaat: “Hoi, met Nikki, ik ben niet thuis want ik ben dood…” Het nummer Kickstart my heart is geïnspireerd door zijn bijna-doodervaring. Sixx heeft later een boek geschreven over zijn drugsverslaving onder de titel The Heroin Diaries. In 2001 kwam zijn boek The Dirt uit die hij samen met Tommy Lee, Vince Neil en Mick Mars heeft geschreven. Het gaat over hun Rock ‘N’ Roll Lifestyle.

 Sixx AM ’s bassist Nikki Sixx is een man, die er een zeer turbulent leven eropna heeft gehouden. Een verhaal van drank, drugs en rock & roll. Gelukkig heeft hij de vele hoogte- en dieptepunten overleefd om het verhaal te vertellen. Op 19 oktober 2021 brengt Sixx zijn nieuwe memoires uit The First 21: How I Became Nikki Sixx en in navolging van zijn nieuwe boek brengt de band dit verzamelalbum uit.

Sixx:A.M. heeft vier studioalbums uitgebracht; The Heroin Diaries Soundtrack (2007), This Is Gonna Hurt (2011), Modern Vintage (2014) en Prayers for the Damned (vol.1) (2016), en drie ep’s: X-Mas in Hell (2008), Live Is Beautiful (2008) en 7 (2011).

Had al wat nummers via spotify beluisterd, maar twijfelde over de aanschaf, dit verzamelalbum trok mij over de streep.

Een viering van enkele van de grootste momenten van de groep, samen met zes nieuwe nummers, Sixx: AM Hits is een verzameling van de beste momenten van de hardrocker. Met favorieten van fans en nieuwe nummers, is de soundtrack van Sixx’ goed gedocumenteerde strijd met drank en drugs, en het daaropvolgende leven van nuchterheid, een echte mengelmoes van liedjes. Krachtige teksten onderzoeken Sixx en zijn bijna-doodervaringen van drugs- en alcoholmisbruik en nuchterheid. Het verhaal van hoe Frank Feranna Nikki Sixx werd, is voor miljoenen fans over de hele wereld gespeeld en dit is Sixx zelf die het vertelt.

Het is niet verwonderlijk dat, gezien de thema’s, er enkele echt donkere momenten op het album zijn, bijvoorbeeld bij het horen van Sixx door zijn terugtrekking uit heroïne op “Girl With Golden Eyes” is echt schrijnend om mee te beginnen, maar, zoals het geval is met dit verhaal, positiviteit schijnt door tot op het einde. ‘Accident’s Can Happen’, een nummer dat gaat over de terugval, zoals veel van het materiaal, schittert het van positiviteit, terwijl nummers als ‘Rise’ en ‘We Will Not Go Quietly’ het soort anthems zijn dat is geschreven door een man die veel heeft meegemaakt, maar niet van plan is zonder slag of stoot op te geven.

Wat betreft de zes (nou ja, vier en twee remixes) nieuwe nummers, zowel “The First 21” als “Talk To Me” hebben die grote, dreunende, bijna Queen- achtige sfeer, terwijl “Penetrate” en “Waiting All My Life” zijn ruiger en minder ongerept. De collectie wordt afgesloten met bewerkingen van “Skin (Rock Mix)” en een met piano doordrenkt “Life Is Beautiful”, een nummer dat ons terugvoert naar het allereerste begin van dit achtbaanverhaal.

 


 Dream Theater – A View From The Top Of The World

Jaar van Release: 2021

Label: Inside Out

“AView From The Top Of The World” is een klassiek en sterk Dream Theater-album. Het is ergens jammer dat je het, als je zou willen, bij deze ene zin kan laten wat deze recensie betreft. Want de koningen van de progressieve metal doen vrijwel niets dat je niet eerder van ze hoorde. Maar zoals gezegd: ze doen het wel heel goed. Een plaat op maat gemaakt voor elke doorgewinterde progmetalfan. Zelfs na honderden shows, twee GRAMMY Award nominaties, en bijna vier decennia samen, blijft Dream Theater vooruitkijken. Hun collectieve blik wijkt nooit van de toekomst. In plaats daarvan verkennen de progressieve metal pioniers – James LaBrie (zang), John Petrucci (gitaar), Jordan Rudess (keyboards), John Myung (bas), en Mike Mangini (drums) – consequent onbekend terrein met dezelfde geest van geluidsexplosiviteit. Wat heeft Dream Theater nog te bewijzen na 33 jaar progressieve metal? Een periode waarin de legendarische band van invloed was en is op veel muzikanten die soortgelijke muziek of een variant ontwikkelden die ervoor zorgde dat prog metal zich is blijven ontwikkelen.

Op hun vijftiende album, “A View from the Top of the World”, gaat het New Yorkse vijftal weer in volle vaart vooruit met zeven tracks die evenzo doordrenkt zijn van uitgesproken arrangementen, groove-ladende gitaren, en indrukwekkende melodieën. De progrock dinosauriërs laten eind oktober weer een nieuw werkstuk op de fans los. Het is een ambitieus album geworden. Ik moet zeggen dat dit een album is waar je voor moet gaan zitten bij je eerste luisterbeurt, en waarschijnlijk ook een handvol luisterbeurten daarna, want het is lang. Met nummers die minstens drie keer langer meegaan dan een regulier, mainstream aanbod. En kijk, ze geven je een geweldige tijd voor je doorzettingsvermogen. Typisch Dream Theater dus zult u denken, maar zelfs voor hun begrippen is het pittige luisterkost. De tourloze coronatijd en het gemak van deze keer een eigen studio (Dream Theater Head Quarters in New York) heeft de band misschien wel iets te veel schrijftijd geboden om los te gaan op complexe songs. Het eerste dat opvalt is de productie (door gitarist Petrucci samen met Andy Sneap), die klinkt als een klok en doet terugdenken aan het geluid op ‘Images and Words’, vooral het drumgeluid. Het tweede dat opvalt is de stem van LaBrie, die klinkt prima hier, al dan niet met nogal wat ondersteuning van de studiotechniek. Het contrast met zijn live-prestaties wordt waarschijnlijk steeds groter helaas.

We weten niet waarom, maar we kunnen ons de tijd nog herinneren als we terug gaan naar het jaar 1997 toen we na de eerste luiserbeurt van “Falling Into Infinity” dachten: ‘Hoe gaan die mannen het in godsnaam interessant houden op hun volgende plaat? We vonden voorgangers “Images & Words” en “Awake” toch wel heel goed, dus we waren er stellig van overtuigd dat Dream Theater waarschijnlijk een plafond bereikt had. Maar kijk. We zijn vierentwintig jaar en vijftien miljoen verkochte albums verder en hier is het nieuwe, alweer vijftiende album van Dream Theater: “A View From The Top Of The World”. Geen verkeerd gekozen titel, want dit niet kapot te krijgen vijftal staat al jaren aan de top van het progressive metal-genre. Veel geïmiteerd, nooit geëvenaard, zoals ze zeggen. Vol enthousiasme is het kwintet uit New York aan de slag gegaan voor dit album. Zanger James LaBrie geeft aan dat elke opnamesessie benaderd wordt alsof de band haar eerste album op gaat nemen. Er wordt niets voor zeker aangenomen en de diehard fans mogen zeker niet teleurgesteld worden.

Dream Theater is dan ook een merk. Je hoort een nummer en je weet meteen dat het van hen is. Het voordeel is duidelijk. Het nadeel ook: hoe hou je het in godsnaam fris en hoe vermijd je dat je steeds weer hetzelfde nummer maakt? Dus is onze eerste vraag bij nieuw werk altijd: springt het eruit? Een band met een lange carrière als Dream Theater wordt altijd afgemeten aan zijn eigen enorme nalatenschap. Moet een nieuw album anders klinken of vergelijkbaar zijn met eerdere inspanningen? Zijn ze gewoon zichzelf aan het herhalen of baanbrekend? Of maakt het uit? Welnu, afhankelijk van wie je het vraagt, is het antwoord ja op een of al deze. Maar zijn de nummers uiteindelijk goed, en is dit een goed album? Laten we het uitzoeken…

Opener “The Alien” was de eerste single: vintage, melodieuze Dream Theater. En dat 9 minuten en 31 seconden lang. Het overdonderende The Alien is een stevig en uptempo nummer. Het nummer ontstaan nadat LaBrie een interview kijkt dat Joe Rogan met Eton Musk heeft over het ontdekken van andere planeten en plannen om op andere planeten dan de aarde te gaan wonen. De mens wordt The Alien. “Answering The Call” is niet eens goed en wel begonnen, of de gitaar- en keyboardriffs kletsen ons al om de oren. Halverwege laten John Petrucci en Jordan Rudess ons ook nog eens alle hoeken van de kamer zien in een waar solofeest. De tweede single Invisible Monster gaat over ongerustheid en hoe dat vreet aan mensen. Je kan het niet zien maar het achtervolgt je. Langzaam wordt het tempo verhoogt, de drums gaan sneller, de gitaarpartijen komen op. Het is een nummer dat zich stiekem in je hoofd nestelt om daar te blijven rondspoken.

Over naar “Sleeping Giant”. Na een paar minuten dringt de vraag zich op: ‘Is dit een meesterwerk?’. Het nummer geeft je werkelijk op geen enkel moment de indruk dat je het doorhebt: telkens gebeurt er weer wat anders, of het nu een solo, een break of een tempowissel is. Zet voor dit nummer een koptelefoon op en geniet van het surround-geluid en de manier waarop ze sommige geluiden door de linkerluidspreker leiden, sommige door de rechter, en sommige door je hoofd heen en weer bewegen.  We hebben ook een orgelmelodielijn en synths die echt doorbreken in dit nummer, wat voor mij elementen zijn die doen denken aan het prog-tijdperk van de jaren 70. Het is frapant om te horen dat de drums relatief eenvoudig zijn (in vergelijking met andere nummers), of misschien is eenvoudig niet het woord – bijna gereserveerd als aanvulling op de gitaarriffs. De band wordt zelfs een beetje jazzy en dit nummer is een solide favoriet.

Het is natuurlijk onmogelijk om te praten over het volgende nummer, ” Transcending Time “. Het Rush-achtige, bijna vrolijke, catchy nummer. In laatstgenoemde komt James LaBrie met zijn meest memorabele zanglijnen van het album. Mede daardoor zal het een van de favorieten van de fans zijn. Het is iets wat de band wilde aanpakken (en waarom niet?) omdat het een uitdaging kan zijn om te schrijven zonder poppy of overdreven vrolijk te klinken. In dit geval slaagde de band erin om de lijn te volgen. Mangini kan wat minder “metal” drumpatronen spelen, Jordan kan wat spelen met de keyboardpartijen, die misschien iets minder sinister en net wat hoopvoller zijn, en JP krijgt de opdracht om een ​​aantal grote opzwepende akkoorden te tokkelen. Al met al een heel toegankelijk nummer.

 En  En wat te denken van “Awaken The Master”? Een van vet druipende, in vuile motorolie gedrenkte riff mept ons plat, met de hulp van een ontketende Mike Mangini. Rudess haalt eerst wat funky keyboards boven, daarna een piano (ja, een piano!), Petrucci soleert erover en dan terug naar die monsterriff. Tjonge, dat is meer muziek dan sommige groepen op een heel album weten te brengen. En het zijn pas de eerste drie minuten van een tien minuten durende progressive party.

Kan het nog langer? Ja, hoor. Het titelnummer duurt maar liefst 20 minuten en 23 seconden. Je bent Dream Theater of je bent het niet. Maar de vraag was dus: springt het eruit? Nou en of. Het is een fantastische afsluiting van weer een briljant album dat deze keer geen ballads kent. Het enige rustpunt op het album is de break in het titelnummer, het is een rustpunt in het nummer dat verhaalt over de gevaarlijke dingen die de mens uithaalt. Diepzeeduiken, solo bergbeklimmen, surfen op (te) hoge golven en meer. Ook al hebben we het voor iets kortere nummers, toch zou “A View From The Top Of The World” zomaar eens het beste, meest inventieve album van deze line-up kunnen zijn. Het weidse, cinematografische gevoel van de nummers, alsof ze de soundtrack van een onbestaande film zijn, palmt ons volledig in. Bovendien vroegen we ons op geen enkel moment af waar Mike Portnoy was. En John Petrucci, tja, die is meer dan ooit een gitaargod: hoe hij al meer dan dertig jaar consequent zo’n hoog niveau haalt, is gewoon bovenmenselijk. Het is misschien eenzaam aan de top, maar met dit plaatje is het er toch best gezellig.

Conclusie: Dream Theater verrast niet en is dat opzicht een veilige plaat geworden, maar stelt evenmin teleur. De kwaliteit van de heren musici druipt er van af. In sommige passages wordt dit misschien wat overdreven. Door de herkenbare stijl, vallen de vernieuwingen, die de heren altijd proberen door te voren, natuurlijk wat minder op. De verwachtingen zijn dan misschien bij DT altijd wat te hoog gespannen. Wat dat betreft is deze goede vijftiende full-length een typisch DT-album dat meer dan de afgelopen albums teruggrijpt op het verleden. “A View From The Top Of The World” is een plaat, waarvan je kunt genieten met een aantal heel sterke momenten, maar ook fases waarin de plaat de aandacht niet altijd vast weet te houden. Ben je al tien jaar uitgekeken op Dream Theater? Je hebt na het album ” The Asthonishing” de handdoek in de ring gegooid. Deze rockopera was niet de meest briljante set van de band en waarschijnlijk een misser in hun repertoire. Met  het album “Distance Over Time” heeft de band zich weer herpakt, is dit album aan je aandacht ontglipt, eerst luisteren, is je mening dan nog niet veranderd, dan zal deze plaat je ook niet overtuigen. Kijk je uit naar een album dat herkenbaar is met elementen uit de discografie (waaronder Metropolis part 2 – Scenes From A Memory), dan heb je met A View From The Top Of The World een prima Dream Theater-album in handen.


Eclipse – Wired

Jaar van Release: 2021

Label: Frontiers Music

Dit jaar is een vrij belangrijk jaar voor de Zweedse melodieuze hardrockmeesters van Eclipse . Ze vieren namelijk hun 20e verjaardag van hun debuutalbum “The Truth & A Little More”, een album, dat eigenlijk op de achtergrond is verdwenen en waarvan de nummers ook niet meer ten gehore worden gebracht. Nu is het tijd voor het achtste studioalbum “Wired” uit te brengen. Dit is ook het eerste album van de band met de nieuwe bassist Victor Crusner, de broer van drummer Philip Crusner.   Eclipse is een band geworden waar ik de laatste jaren veel naar luister. Ze zijn nog instaat als band de deels 80-jarige hardrock om te toveren in een modern jasje. Het recept is melodieuze hardrock met zware riffs en pakkende melodieën. Uiteraard heb ik sindsdien veel meer bands van deze stijl gevonden die hier ook aardig aan voldoen. Maar dan kom je toch veel uit bij Scandinavische bands. Dankzij Erik Martensson heeft Eclipse echter een bepaald geluid en een bepaald handelsmerk in hun laatste paar platen ten toon gespreid, die gemakkelijk herkenbaar zijn.

Uiteraard wijkt het nieuwe album niet af van de richting en het geluid van hun laatste vier albums (“Bleed & Scream”, “Armageddonize”, “Monumentum” en “Paradigm”). Het album begint met de energieke dosis “Roses On Your Grave”, “Dying Breed” en “Saturday Night (Hallelujah)”, die behoorlijk up-tempo zijn met opwindende riffs en die gegarandeerd de hoofden in beweging brengen, en handen in de lucht in de vorm van zowel vuisten als hoorns. Mijn eerste gedachte toen ik het refrein van “Saturday Night” hoorde, is dat je het refrein van “Viva La Victoria” wel een erg groot vergelijk vormt.  “Dying Breed” moet echter wel mijn favoriete nummer op de hele plaat. Het heeft weg van nummers die de band al eerder uitbracht in het rijtje van “The Storm”, “When The Winter Ends” en “Never Look Back”.

Het is wanneer we “Carved In Stone” beluisteren, dat we het balladgebied voor het eerst gaan betreden. Dit nummer bevat voornamelijk akoestische gitaren, maar de elektrische gitaren en drums komen pas tegen het einde op gang. Een ding dat Eclipse onderscheidt van veel andere bands zijn de enorme vocale harmonieën tussen meer dan twee leden. Dit element herleeft de vibes van o.a. Def Leppard op hun hoogtepunt, iets wat je niet vaak hoort tegenwoordig bij de veelal nieuwere bands.

De prijs voor het beste nummer voor de tweede helft gaat naar “Things We Love”. En als de Eclipse- formule je begint op te branden. Simpelweg omdat je het idee krijgt dat het steeds meer is van hetzelfde, zal het nieuwe album je niet van gedachten veranderen. Echter, “Wired” is opnieuw een stevige versie van één van de beste Zweedse rockbands.

De nummers kort samengevat.

” Roses On Your Grave “, de opener, is gewoon een fantastisch uptempo, heavy en met een werkelijk adembenemende refreinlijn genoeg om mee te schreeuwen. “Dying Breed ” is weer een geweldig nummer. Een klassiek up-beat Eclipse nummer met een catchy melodielijn, vlijmscherpe gitaren en een strakke ritmesectie.  “Saturday Night (Hallelujah) ” was het eerste voorproefje, die we van dit nieuwe album te horen kregen. Een enorm rock ‘n’ roll nummer dat op maximaal volume gespeeld moet worden! “Run For Cover ” klinkt als een overblijfsel van het ” Paradigm ” album. Een meer ‘donkerder’ hardrock juweeltje waarin de zang van Erik Martensson hier echt tot zijn recht komt. ” Carved In Stone ” is het eerste langzame nummer van ” Wired “. Een akoestisch en zeer emotioneel nummer, dat in het midden langzaam ombuigt naar meer bombast, bevat een geweldig arrangement.” Twilight ” zorgt ervoor dat u het volume weer hoger gezet kan worden. Een pittige hardrocker met een metal randje. ” Poison Inside My Heart ” doet me een beetje denken aan de samenwerking tussen Erik en Ronnie Atkins ( Pretty Maids ) in Nordic Union . ” Bite The Bullet ” is 100% Eclipse Krachtig, anthemisch en bombastisch! ” We Didn’t Come To Lose ” is zwaarder, meer groovy en bevat een geweldige gitaarsolo. ” Things We Love ” heeft een ‘slimme’ melodie, een meer commercieel geluid en is meer een nummer met een AOR-achtige karakter. ” Dead Inside “, de bonustrack, is het nummer waarmee deze plaat wordt afgesloten. Een ongecompliceerd melodieus heavy rocknummer.

ECLIPSE is wederom in staat gebleken een degelijk album af te leveren. Wat maakt dit tot een geweldig rockalbum. Herkenbare en gemakkelijk te volgen teksten, emotionele melodieën, moordende gitaarriffs en harmonieuze en gepassioneerde zang. Eclipse levert dit allemaal op “Wired”.

 Voor de liefhebbers van de zwaardere richting kunnen dit album zonder twijfel aanschaffen. De echte AOR-liefhebbers komen de laatste 4 albums wat minder aan hun trekken.


 

Iron Maiden-Senjutsu

Jaar van Release: 2021

Label: Parlophone Records

Juli 2021 Iron Maiden zou een nieuw album hebben! Het gerucht werd steeds luider en luider. Bleek dat de band al begin 2019 een volledig album had opgenomen, ergens in de buurt van Parijs, in dezelfde studio waar “The Book Of Souls” werd opgenomen. Dit alles vond plaats te midden van de Legacy Tour. De bandleden namen een korte pauze om het album op te nemen en door de tournee zaten ze vol energie en ideeën. Ideale situatie dus. Sterk dat het hierna zo lang werd stilgehouden. Senjutsu is Japans voor ‘tactiek en strategie’. Er was een reden dat men zo geheimzinnig deed en zo lang wachtte met een nieuw album. Tactiek en strategie.

3 September. Het zeventiende album van Iron Maiden wordt uitgebracht. We hebben er maar liefst 6 jaar op moeten wachten, maar na ‘The Book of Souls’ dat op 4 september 2015 verscheen is er een nieuw album van Iron Maiden. Het nieuwe en 17de album telt 10 nummers en heeft een totale speelduur van ruim 80 minuten, waardoor we voorzichtig kunnen concluderen dat de lijn van de voorganger wordt voortgezet.

Nooit eerder hebben we zo lang moeten wachten op een nieuw studioalbum van Iron Maiden. Dat het zo lang duurde, komt door een virus dat al anderhalf jaar de wereld platlegt. Er waren wel wat speculaties dat de band de studio ingedoken was, maar dat de nieuwe langspeler ook al bijna twee jaar klaarligt, hadden zelfs de grootste fans niet gedacht.

En waarom ook die geheimzinnigheid? Dit is ongezien voor de band. Nee, het is duidelijk dat Iron Maiden wilde knallen met deze schijf, dus werd niets aan het toeval overgelaten. Een nieuwe plaat moet nu eenmaal commercieel sterk zijn, zonder te commercieel te klinken. Idealiter bevalt deze de oude fans, maar trekt het ook de jongere generatie(s) aan. Het is een soort evenwichtsoefening waar wel meer (oudere) bands mee worstelen. Iets afbreken is gemakkelijk. Iets creëren dat door jong, oud, nieuw en moeilijk wordt aanvaard is dat niet. Fans van het eerste uur verwachten een bepaalde muziek en de latere fans die later aanhaakten verwachten weer iets anders en doe zo maar eens goed voor iedereen. De term die de groep kreeg opgeplakt met NWOBHM (New Wave Of British Heavy Metal) hieronder werden ook bands als Saxon, Def Leppard en Judas Priest onder geschaard.

Iron Maiden is nu nog een van de populairste bands van deze scene en weet met hun liveshows en Eddie de macotte een hele schare fans over de hele wereld te verzamelen. Dat betekent dat er altijd veel getourd wordt. Met een eigen vliegtuig waar zanger Bruce Dickinson piloot en gezagvoerder is.

Er waren natuurlijk al twee singles bekend – “Stratego” en The Writing On The Wall – die respectievelijk de tweede en derde plaats op dit nieuwe album kregen toegewezen. Over het algemeen werden de beide nummers goed ontvangen door pers en publiek, al heb je altijd de “vroeger waren ze beter”-stemmen. Ja, vroeger waren ze ook beter. Laten we ons daar nu overheen zetten. Het is al even geen 1984 meer. Dit Iron Maiden is een band die ondertussen al 46 jaar meegaat. Dat is veel langer dan de meeste andere bandjes het tegenwoordig vol houden. De heren werden een dagje ouder en zijn als mens én als muzikant geëvolueerd. Laten we dit nieuwe album dan ook volledig tegen dit licht bekijken.

Om maar met de deur in huis te vallen: nee, het is weer geen Piece Of Mind deel twee, geen vervolg op Seventh Son Of A Seventh Son of – nog onwaarschijnlijker – een album dat doet terugdenken aan de begindagen. Senjutsu ligt volledig in lijn met de koers die de de band een jaar of vijfentwintig geleden heeft ingezet. Wie korte, snelle tracks verwacht, moet wederom zijn heil elders zoeken, want slechts twee van de tien songs zijn korter dan vijf minuten. Van deze twee zal met name het felle Days Of Future Past de oude fans dan nog het meeste aanspreken.

Diverse van de vele lange songs – maar liefst zeven tracks duren meer dan zeven minuten – zijn zeer gevarieerd, al volgen sommigen wel het bekende patroon van een softe intro voordat het tempo wordt opgevoerd, om af te sluiten met dezelfde rustige klanken van het begin.

De titeltrack, die deze keer aan het begin staat, wijkt daar gelijk van af. Onheilspellende drums openen het album en gaan al snel over in een geweldig, voortstuwend ritme dat de hele song zal doorgaan. Het is een track zoals we die van Iron Maiden nog nooit gehoord hebben, waarin gelijk te horen is dat Bruce Dickinson nog altijd tot een van de beste zangers ter wereld behoort. Het nummer “Senjutsu” kent een volle klank en harmonie, klinkt melodisch en bevat die typische Iron Maiden-ingrediënten: Vooral McBrain’s drumwerk valt op in dit nummer. Het gitaar powerduo Dave Murray en Adrian Smith vullen elkaar naadloos in de verschillende gitaarmuren.

Stratego en The Writing On The Wall zijn natuurlijk al bekend. Het uptempo Stratego is niet alleen voor deze plaat opvallend snel, het zou qua tempo ook op de voorgaande platen in het oor gesprongen zijn. Qua structuur is het dan weer een vrij typisch Iron Maiden-nummer te noemen. Het volgende “The Writing On The Wall” het horen van deze single gaf me het gevoel dat er een sterk album zat aan te komen. Opnieuw, persoonlijke voorkeur. Ik kan perfect begrijpen dat er mensen zijn die deze te klassiek rockachtig of zelfs folkachtig vinden klinken.

Lost In A Lost World, na de zweverige introductie wordt een versnelling hoger geschakeld en weerklinkt een volledig ander nummer. Deze Lost In A Lost World duurt een indrukwekkende tien minuten en vertoont alle kleuren en geuren van Steve Harris. Na vijf minuten gaat het tempo trouwens nogmaals omhoog. Heel hard gaat Iron Maiden uiteindelijk niet met deze song. Het blijft allemaal betrekkelijk braaf en had wat mij betreft naar het einde toe naar een climax moeten werken.

Gelukkig smijt de band vervolgens Days Of Future Past op mijn bord en hoor ik de Iron Maiden vanuit het verleden. Of toch bijna, want er weerklinkt een synthesizer op de achtergrond die er naar mijn gevoel niet zo bij hoort. ‘Days Of Future Past’ brult Bruce en dit bedoelt hij misschien? De klank van weleer gecombineerd met een moderne toets onder de vorm van een synthesizer? Sinds eind jaren ‘80 gebruikt de band wel vaker synthesizer. De synthesizer is zelfs minder aanwezig zoals bij bijvoorbeeld Moonchild in 1988.

Hierop volgt The Time Machine en dat mag je opnieuw letterlijk nemen. Ik denk dat ik deze al een paar keer gehoord heb op andere Iron Maiden-platen. Versta me niet verkeerd, het is een goed nummer hoor. Bruce Dickinson zingt het nummer echter alsof het een kinderdeuntje is. Wat opvalt is het heerlijke gitaarduet waarmee het doek over dit nummer valt. De tijd vliegt wanneer je je amuseert want het eerste deel van de plaat zit er hierna op. Deze Senjutsu is een dubbelalbum, dus wie de plaat op CD beluistert kan nu van disc wisselen.

Dit tweede luik van de plaat start alvast veelbelovend met een lekker glijdend gitaargeluid, waarna Dickinson als een volleerde operazanger een verhaal afsteekt over het Britse gevecht tijdens de Tweede Wereldoorlog. Tja, een onderwerp waar piloot Dickinson graag over leest én zingt. The Battle of Britain, weet je wel? Dit Darkest Hour kan wel eens een plaats krijgen in de live shows. De band zal die Spitfire nog wel hebben zeker? Dat gevechtsvliegtuig dat op de laatste tournee als pièce de résistance op het podium werd uitgespeeld. Heerlijk nummer trouwens! Zachte intro, theatrale opbouw en een lekker knetterend gitaargeweld naar het einde toe. Classic Maiden!

Death Of The Celts is de eerste van de trilogie en de leiding nemende, galopperende basgitaar bevestigt mijn vermoeden. Het nummer heeft – niet verrassend gezien de titel – iets zeer Iers over zich. We hebben het dan wel over het eerste gedeelte van dit nummer, maar minder voor het tweede.

Ook The Parchment begint met Harris’ basgitaar in een prominente hoofdrol. Geheel voorspelbaar, maar bevredigend vallen de gitaren hierna in en wordt het geheel naar een hoger niveau gestuwd. Met Dickinson’s contributie is het feest compleet. Dit is opnieuw een vrij zachtaardig Maiden-nummer, maar aangezien we het einde naderen is dit best oké. Het nummer voelt zowaar proggy aan. Er zijn zo van die nummers die gewoon gemaakt zijn om te blijven gaan. Laat deze dus ook nog maar even doordenderen. Twaalf minuten en veertig seconden duurt deze parel. Alsjeblieft! Briljant nummer, maar misschien niet voor iedereen.

Afsluiten doen Bruce Dickinson en kornuiten met Hell On Earth. Héél verrassend ook weer niet, het nummer begint met een opvallende baslijn, waarna de gitaren invallen en Iron Maiden geheel voorspelbaar aan zijn afsluitende akte begint. De band hield de beste nummers blijkbaar tot het einde. Er volgt weer zo’n uitputtingsslag waarbij de volumeknop steeds maar hoger wordt gedraaid naarmate het nummer vordert. Ook deze zal uiteindelijk afklokken op een gezonde elf minuten en twintig seconden. We hebben er lang op moeten wachten, maar nu is de nieuwe plaat van Iron Maiden er eindelijk. Het maakt dat dit album een paar keer integraal dient beluisterd te worden. Het is de beste manier om je de nummers eigen te maken.

We hoorden echter een Iron Maiden dat ouder, rustiger en meer belegen klikt. Er spatte waarachtig zelfs een zweem van progrock vanaf. Deze band heeft alles al gezien en gedaan. Dickinson overleefde zelfs kanker en staat tegenwoordig rond te springen in een fonkelnieuwe heup. Laten we met ons allen nu eens gewoon blij zijn dat de band nog bestaat en dat deze nog de drive, energie en zin heeft om een album als deze Senjutsu af te leveren.

 De productie is weer in handen van Kevin Shirley en is wederom niet zo helder als we uit de gloriedagen kennen, maar is gelukkig wel iets verbeterd ten opzichte van het vorige album. Ondanks dit minpuntje is Senjutsu wel weer een album zoals je van Iron Maiden mag verwachten: genoeg afwisseling, heerlijke melodieën en uitstekend uitgevoerd. Ondertussen is het een act die al jarenlang meegaat en nog de power heeft om hun kunstje te verfijnen tot een prachtig kunstwerk. Ok, tijd moet leren dat een album tijdloos wordt, zoals “Powerslave”, “The Number Of The Beast” en “Sevent Son Of A Seventh Son” al zijn. Dit album met zijn uitgewerkte gitaarsongs zal ongetwijfeld zijn weg vinden naar een hoop fans. De afgehaakte fans moeten zeker dit album weer even proeven en voor mensen die eens een Maiden album willen proberen zou ik beginnen met Disc 2.


 

Helloween-Helloween

Jaar van Release: 2021

Label: Nuclear Blast Records

  In 2016 werden eindelijk de strijdbijlen begraven tussen Helloween oprichter en gitarist Michael Weikath, en zanger Michael Kiske en gitarist Kai Hansen. De koningen van het powermetal genre startten in 2017 de ‘Pumpkins United’tour waar alle drie de (ex-)zangers Helloween aan deelnamen. Voor vele fans was dit de droom die uitkwam, gezien je hun werk in verschillende tijdperken kunt indelen. Elke zanger is op zijn manier belangrijk geweest voor de Duitse band. Maar wat krijg je als je deze drie uitgesproken stemmen bij elkaar zet? Dat hoor je op het nieuwe album “Helloween”. Dit succes heeft de band doen overwegen om samen een nieuw album te maken, dus met Hansen en Kiske, waar de die-hard fans eigenlijk al jaren op wachten en stiekem op hoopten! Helloween bestaat dus anno 2021 officieel uit 7 personen.

18 juni komt dit ‘reunie’ album, simpelweg genaamd ‘Helloween’ dan eindelijk op de markt, wat de teller op album nummer 16 zet van dit Duitse Metal fenomeen. Het wachten is het meer dan waard geweest, want dit album zet Helloween gegarandeerd terug op de metalen kaart!

Het schijfje opent met “Out for the Glory”, waar de intro het powermetal antwoord op Slayer‘s “South of Heaven” is. Al snel wordt er snelheid in de melodie gezet en komt het geluid van zanger Michael Kiske, die voornamelijk tussen 1987-1993 actief was voor de band, je tegemoet. Het nummer neemt je dan ook gelijk mee naar de beginjaren van Helloween: het is dynamisch, theatraal, meeslepend en aan alle kanten Europower met de uithalen van Kiske, die je toch even lichtelijk ontroeren. Lekker uptempo heavy track waar vooral Michael Kiske zijn visite kaartje gelukkig weer eens af geeft.  Opvallend zijn in het middenstuk de ruige screams van Kai Hansen, die hier een heerlijk ‘Halford’ imitatie laat horen. Perfekte opener van het album.

Het blijft nog even in de aangrijpende sfeer met de volgende track “Fear of the Fallen”, waar het vuur ditmaal geopend wordt door Andi Deris. Maar toch sluit Kiske zich snel bij het feestje aan en er ontstaat een bepaalde chemie waardoor dit nummer zo een track van het album “Keeper of the Seven Keys Part II” had kunnen zijn. Hier horen we Kiske voor het eerst in glorieus duet met Andi Deris. Bekijk de videoclip van dit nummer, een van de hoogtepunten van het album!

Met ‘Best Time’ worden verwend met een lekker catchy en vlotte track. ‘Best Time’ werd door Kai Hansen beschreven als een soort ‘I Want Out’ qua thema, maar ook muzikaal vertonen de nummers de nodige overeenkomsten. Valt vooral op door het pompende bas- en drumwerk, terwijl de langgerekte gitaarleads rusten op een fundament van snelle riffs.

Het is bij ‘Mass Pollution’ dat de sfeer wat grimmiger wordt en een nieuwer Helloween album als ‘7 Sinners’ komt bovendrijven, mede doordat het zowel qua zang als songwriting Deris-only is. “Make some noise!” wordt er gezongen en dat is al aanwijzing genoeg dat we hier te maken hebben met een live-kraker in wording. Andi Deris steelt de show met dit nummer wat een heerlijke metal track blijkt, ruige zang en heerlijk gitaarwerk.

Met ‘Angels’ gaat het tempo er een beetje uit, en krijgen we een lekkere mid tempo track voorzien van een geweldige gitaar solo en weer de perfekte zang tussen Kiske en Deris. Hoewel het nog altijd vloeken in de kerk is, heeft ‘Angels’ door Kiske’s zanglijnen wel wat weg van het album ‘Pink Bubbles Go Ape’, maar past door de gelukkig veel zwaardere productie naadloos binnen de rest van het album. We noemden al dat de plaat voorzien is van rijke arrangementen/orkestratie. In deze bestaat die uit een dikke laag toetsen, die af en toe wordt doorsneden door korte felle gitaren. Lange halen in het refrein worden afgewisseld met die typische Helloween-versnellingen. De song heeft een ruimtelijk bijna hemels geluid en een groots einde dat je nog in engelen zou doen geloven.

“Rise Without Chains” geeft je in het begin enorme “Victim of Fate” vibes. Het is niet slecht, maar het begint al snel iets te langdradig te worden. Het gitaarwerk daarentegen, kan nooit te lang duren. Hiermee krijgen we meer duetten tussen Kiske en Deris, maar laten we ook de lekkere solo niet vergeten.

Ook Grosskopf mag het inmiddels stevig brandende vuurtje wat opstoken. Dat doet hij met Indestructable. Het is een heus festival (weet je nog?) stamper. Als deze de setlist haalt zullen hele volksstammen “cause we are one!” roepen in antwoord op het “we’re indestructable” refrein. Met ‘Indestructible’ krijgen we een duidelijk statement van de band te horen, het contrast tussen de loodzware baslijn en hoge zang van met name Kiske in het refrein is de muzikale troefkaart van deze telg.

Volle kracht is te vinden op “Robot King”. Het stembereik van Kiske schiet alle kanten op en Deris ondersteund hem daar prima in met zijn specialiteiten. De snelheid, melodieën, gitaarsolo’s en het hoge drumtempo zorgen ervoor dat het nummer een hoogstandje speedmetal is. Het is goed te horen dat de meeste bandleden al vanaf begin jaren tachtig met elkaar de bandvormen: het samenspel tussen hen loopt als een geoliede machine. Over Michael Weikath gesproken. Hij is zo ongeveer de personificatie van rock-’n-roll en laat dat nog maar eens horen op het door hem geschreven nummer, een old school hardrocksong met een wat typisch verhaal. Het verhaal over een robotkoning die verteld wordt dat hij de “perfect make” is doet toch een klein wenkbrauwtje optrekken, maar rocken doet Robot King als de neetjes.

Net als “Down in the Dumps”, het nummer geschreven door Weikath, die echt door je geluidinstallatie heen raast met stevige gitaarriffs. De pakkende ‘oooh-oh’s’ op de achtergrond maken dit tot een song die je live moet horen. In de visualizer die de song begeleidt zien we het oude vertrouwde pompoenhoofd. Het nummer zelf is met zijn rijke arrangementen (strijkers) en schurende riff echter juist een moderner klinkende track. De tekst “Woke from a dream” lijkt even naar de opener van het album te verwijzen. Drummer Dani mag hier echt wel aan de bak en het is dan ook terecht dan hij de song met een enkele tik op de bekkens de song tot een einde mag brengen. ‘Down In The Dumps’ blijkt ook weer zo’n herkenbaar typisch Helloween nummer te zijn, welke de luisteraar rechtstreeks terugbrengt naar 1987.

Hoewel we al veel kwaliteit voorbij hebben horen komen, blijkt het absolute hoogtepunt nog bewaard. Kai Hansen heeft namelijk ook nog twee “nummertjes” gepend en die zijn absolute buiten categorie. Orbit is een instrumentale opmaat naar de afsluiter Skyfall en draagt de onmiskenbare signatuur van de allereerste Helloween-platen. De verkorte videoclip-versie is intussen al een tijdje uit en blijft lustig views genereren op YouTube. De volledige versie van dit epos is zo’n twaalf minuten lang en door Kai Hansen geschreven. Dit is ‘Keeper Of The Seven Keys’ all over! Zanglijnen herken je van klassiekers als ‘Future World’ en ‘March Of Time’, maar ook van (en kijk niet zo verbaasd) ‘Space Oddity’ van David Bowie. Je hoort hier zeven rasmuzikanten op de top van hun kunnen, die ons van het ene hoogtepunt naar het andere vervoeren. De zang wordt eerlijk verdeeld tussen de drie vocalisten en allemaal krijgen ze hun ruimte om in hun eigen unieke stijl te schitteren. Het verhaal is dat van een alien die op Aarde is neergestort en levend gevangen wordt gehouden in Area 51. Een medewerker helpt hem te ontsnappen, en omdat de medewerker dan ook nergens op Aarde meer veilig is, besluit de alien hem mee te nemen naar zijn eigen wereld, waar tot zijn schrik ook niets meer is wat het was. Verhalend, spannend, dramatisch en gewoon verdomd gaaf in de unieke Hansen-witten Helloween stijl: Met zijn twaalf minuten grandeur nog het meest het epische gevoel van een Keeper of the Seven Keys of Halloween. Dramatische (in positieve zin dan) metal in de groots, grootser grootst-modus, waarbij Kiske zichzelf ijzersterk in de hoogste regionen plaatst.

Je kunt gewoon nog een master deluxe versie kiezen, waarop nog een tweetal nummers zijn vertegenwoordigd namelijk: ‘Golden Times’ en ‘Save My Hide’ een echte tranentrekker.

Dat er na de ‘Pumpkins United World Tour’ een compleet album zal komen, had niemand voor ogen. Maar toch maakte de Duitse pioniers alle dromen waar. Ze kwamen samen om hun krachten te bundelen en te doen waar ze goed in zijn. Je hoeft geen mega powermetalfan te zijn om iets van Helloween leuk te vinden en dat is ook precies op het album “Helloween” het geval. Het bevat verschillende stijlen en thema’s, waardoor de fanbase en legacy alleen maar meer zal groeien. Met dit album brengen de sympathieke Duitsers wellicht hun beste album uit, en gelukkig zijn ze nu wat ouder en wijzer, en gaan de ego’s niet meer botsen. Dit zou eeuwig zonde zijn, want de liefhebbers willen zeker nog een aantal jaren blijven genieten van deze band! Persoonlijk verwacht ik wel dat, met alle respect, zanger Andi Deris het vooral live erg zwaar gaat krijgen tegenover Michael Kiske, en het aantal bandleden toch in de toekomst weer teruggeschroefd gaat worden naar 5.


Crowne – Kings In The North

Jaar van Release: 2021

Label: Frontiers Records

Ja hoor, er duikt wederom een nieuwe supergroep op bij het Italiaanse label Frontiers Records s.r.l. Ik houd de telling inmiddels niet meer bij, maar het aantal is dus vanaf nu + 1. Crowne is de naam van de nieuwe melodische hardrock formatie. Zoals de titel van het album al doet vermoeden is het een Scandinavische, Zweedse om precies te zijn, formatie.

De band bestaat uit leden van bekende bands, tot zelfs eentje met wereldwijd succes in de 80’s. Op vocalen vinden we Alexander Strandell, die tevens frontman is van Art Nation. De gitarist en toetsenist heet Jona Tee en kennen we van H.E.A.T. Dan op de bas John Levén van het welbekende Europe. Op drums is om het compleet te maken Christian Lundqvist te vinden die ook speelt in The Poodles. Verder is op de plaat nog een gastartiest te vinden, Love Magnusson, ook niet van de minste band, Dynazty. 

Goed, nu we dat hebben besproken kunnen we het over het album ‘Kings In The North’ zelf hebben. Bij het horen van de titeltrack en tevens eerste track weet je vrijwel direct wat voor vlees je in de kuip hebt. Als je fan bent van dit genre, de melodische hardrock, dan ben je bij dit album aan het goeie adres. Goeie riffs, pakkende refreinen dat zijn twee zeer belangrijke punten om hoog te scoren bij je publiek. Die zijn hier beiden goed vertegenwoordigd.

Bij eerste single ‘Mad World’ is de stem van Strandell al licht te vergelijken met de zanger van Sonata Arctica. Als dan een tijdje later ook ‘Perceval’ als single verschijnt valt die vergelijking niet meer te ontkennen. Op andere nummers is dit niet meteen het geval.

Dat eerdergenoemde ‘Mad Wold’ is voorzien van een heerlijke gitaarsolo, die we tot de beste van de plaat mogen rekenen. De backing vocals voegen om dit nummer ook wat extra jus toe. ‘One In A Million’ het nummer wat volgt op ‘Mad World’ had zo van een H.E.A.T.-album af kunnen komen. 

Nogmaals, voor de liefhebber van dit soort rock durf ik dit nieuwe ‘Kings In The North’ blind aan te raden. Voor tenten op een festival is dit soort muziek ideaal. Pilsje erbij een meeblèren met een band die zeer strak speelt en een album waarbij de nummers al een hoop energie met zich meebrengen. Toch blijft het leuk om te horen hoe mensen van verschillende groepen ook samen iets leuks weten te creëren.


Seventh Crystal-Delirium

Jaar van Release: 2021

Label: Frontiers Music

De muziekscene in Zweden is al te gek: met Seventh Crystal uit Göteborg staat er weer een gloednieuwe band met internationale kwaliteit aan de start.Seventh Crystal was oorspronkelijk gepland als een soloproject, aangestuurd door Kristian Fyhr, bekend van Perpetual Etude. Vrij vroeg in het songwriting proces realiseerde Fyhr zich dat een bandbenadering veel beter bij de nummers zou passen, ook met als gevolg dat hij zich alleen op de rol als zanger zou concentreren.

Dat Zweden aardig wat bands op het bord heeft die door de wil van melodieuze (hard)rock volwassen worden, is een feit. Bands als HEAT, One Desire en anderen behoren tot deze “golf van Zweedse melodieuze rock” die een tijdje geleden begon te rollen. Seventh Crystal past heel goed in deze context.

De hook party begint met “Say What You Need To Say”. Meteen merkbaar: de teksten zijn allesbehalve clichématig, maar reflecteren eerder op de grote vraagstukken in het leven. Het is een leuke toevoeging en geeft de muziek meer diepgang. Niet dat ze het nodig hebben, want de muziek is best complex. Het nummer, dat heen en weer schommelt tussen moderne hardrockmuziek en AOR uit de jaren 90.

Het zijn melodieën en hooklines die nummers als ‘When We Were Young’ tot een lust voor het oog maken. Er is niet meer dan één luisterbeurt nodig om verbinding te maken met de nummers zoals het rockende ‘Time to Let Go’. Seventh Crystal biedt een smaakvol menu van melodieuze rocknummers, stuk voor stuk catchy rock anthems die ook nog eens gebaat zijn bij een krachtig en vitaal geluid.

“Broken Mirror” vertraagt ​​duidelijk en is ondanks Kristian Fyhrs grote zangtalent een doorsnee semi-ballad. Het titelnummer heeft een betere benadering en lijkt veel op moderne rockmuziek van het merk Linkin Park. Het nummer “When I’m Gone” is misschien een beetje saai met zijn betekenisvolle pathos. Semi ballads lijken niet helemaal het ding van de band te zijn. Je zoekt tevergeefs naar opzwepende melodieën. Met “Should´ve Known Better” is het refrein luchtig en los met potentieel voor een typisch modern radiorocknummer.

Met “So Beautiful” laten ze zien dat ze het bij het rechte eind heeft: een grandioos gezongen nummer met een kristalheldere piano, een snelle tempowisseling met opzwepende gitaar- en drumritmes.

Na deze climax is “Time To Let It Go” wat complexer en veel harder, maar bouwt zich bij elke passage op tot een pakkend deuntje. De structuur naar het refrein toe klinkt erg modern. Er is hier niets met muziek uit de jaren 90. “Deja Vu” begint heel pompeus, dan krijgt Fhyr’s zang veel ruimte, die hij ongelooflijk goed benut.

“Bright And Clean” heeft het dan moeilijk om dit geweld tegen te gaan. De melodieën doen wat melancholisch aan en wederom is er veel nadruk gelegd op details, die niet alleen bepaald kunnen worden door het drummen en het gitaarwerk.

Als je de twee semi-ballads en één ballad en misschien zelfs “Broken Mirror” van elkaar aftrekt, is “Delirium” een debuut geworden dat met recht als verbluffend mag worden omschreven. De mix van 90’s AOR, moderne rockmuziek en hier en daar Scandinavische Melodic Metal is uiterst professioneel geproduceerd, met veel oog voor detail uitgewerkt, verveelt niet met alledaagse teksten.

‘Delirium’ is een album dat niet teleurstelt en evenmin een enorme wow-factor creëert. De elf nummers zijn ijzersterk, goed in elkaar gezet en tonen hun kracht door een goede productie. Dat gezegd hebbende, betekent dit ook dat het album niet veel nieuws toevoegt. Maar het zijn niet altijd de verbluffende nieuwe dingen die tot bevrediging leiden. Soms is het beter om vast te houden aan het kader en tegelijkertijd met bekwaamheid en expertise binnen het genrekader te bewegen.


 

Poverty’s No Crime-A Secret To Hide

Jaar van Release: 2021

Label: Metalville

A Secret to Hide is alweer het achtste studio album van progressieve metal band Poverty’s No Crime. Als groot liefhebber van zowel progressieve rock en progressieve metal ontdek ik graag nieuwe bands binnen dat genre, ik had eerlijk gezegd nog niet van deze band gehoord ondanks dat ze al bijna dertig jaar bestaan. Het voorgaande album, Spiral of Fear, dat uitkwam in 2016, was succesvol en werd gevolgd door een tour met Psychotic Waltz. Daarna kreeg de band de smaak weer te pakken en doken ze meteen de studio in om aan dit nieuwe album te werken. Het duurde ruim vijf jaar voordat dit album af was, wat laat zien dat de band echt moeite in hun werk steekt en albums willen uitbrengen waar ze trots op kunnen zijn.

Ter gelegenheid van het 30-jarig bestaan brengt de Duitse groep Poverty’s No Crime zijn achtste album “A Secret To Hide” uit. Het kwintet stond nooit bekend vanwege de productiviteit. Gelukkig duurde het nu ‘slechts’ vijf jaar sinds hun vorige album “Spiral Of Fear”. “De band is weer helemaal terug”, memoreerde zanger en gitarist Volker Walsemann in het persbericht waar dit album werd aangekondigd. Zo’n opmerking doet natuurlijk goed, al riekt dat naar een cliché. De aanvankelijke ‘straight’ progmetal a la Dream Theater is doorontwikkeld naar een meer melodieuze variant. Die koers werd in 2003 ingezet op “The Chemical Chaos“. Vanaf dat album hanteert Poverty’s No Crime een stijl waar melodie en variatie meer tot zijn recht komen. Niet geheel ontoevallig is de bezetting sinds dat album niet meer gewijzigd. De invloeden van Dream Theater zijn nog hoorbaar en ook flarden Vanden Plas en Threshold komen voorbij. Dat blijkt een sterke formule van een hoorbaar ingespeelde bezetting die ook de tand des tijds in dit redelijk uitgekauwde genre heeft doorstaan.

Dat ze kwaliteit boven kwantiteit willen is goed te horen op dit album. Vanaf de eerste akkoorden op albumopener Supernatural is dit al een prettig album om naar te luisteren. De instrumentalen vallen vooral op en zijn erg strak. De vocalen zijn ook prettig om naar te luisteren, al zijn het niet de standaard progressive metal vocalen die ik gewend ben. Daarnaast wordt ook nog bewezen dat deze band allesbehalve eenzijdig is. Supernatural is, ondanks dat het geen baanbrekend nummer is, een prima opener. Poverty’s No Crime heeft intro’s van een minuut of twee tot standaard verheven (liefhebbers: lees deze column). In deze intro hoor je een thema van toetsen en gitaar wat aan Knight Area doet denken. Dat thema komt gaandeweg het nummer weer terug. Voor het overige is het klassieke progressieve metal met een fijne gitaarsolo halverwege, al komt de zang van Volker Walsemann wat geforceerd over.

Het tweede nummer Hollow Phrases heeft een lekker ritme, wat door heel het nummer klinkt. Ondanks dat die twee nummers net wat anders klinken, begin je al meteen door te hebben wat de signature sound van Poverty’s No Crime inhoudt. Het album vormt namelijk een mooi geheel. Hollow Phrases doet meer en beter recht aan het geluid van de groep. De zang is niet geforceerd en komt daardoor beter tot zijn recht. Het melodieuze nummer is doorspekt met Neil Peart-achtige percussie en drum fills. Daarnaast is er afwisseling in sfeer en tempo.

Flesh And Bone heeft in tegenstelling tot de andere nummers een donker geluid. Na de onvermijdelijke intro passeert het nodige (dubbele) gitaarwerk met zware riffs. Daardoor neigt het naar heavy metal, al zorgen de swingende toetsen voor compensatie. Dat de band een groep getalenteerde muzikanten is die weten hoe ze goed op elkaar af kunnen stemmen. Vooral het keyboardspel van Jörg Springub en het gitaarspel van Marco Ahrens vallen erg op. Ze vullen elkaar erg goed aan.

Ook Grey To Green kent een lange intro met afwisselend gitaarwerk. Er is geen tot weinig ruimte voor toetsen. Intermezzo’s met frivole gitaarsolo’s en een grommende bas zorgen voor de goed getimede rustpunten in dit bijna negen minuten durende nummer.

Dat het met de timing van solo’s op gitaar en toetsen wel goed zit hoor je in het powerballad-achtige Within The Veil. Zowel gitarist Marco Ahrens als toetsenist Jörg Springub weerstaan de verleiding er een notenkraker-race van te maken. Deze mannen verstaan duidelijk hun vak.

Het volgende nummer is The Great Escape. Afgezien van wat onduidelijk gesproken teksten is deze track volledig instrumentaal. In zes minuten trekt een fraaie mix van Threshold en Rush, als mede een afwisseling van solo’s aan je voorbij. Met als hoogtepunt een Alex Lifeson-achtige gitaarpartij.

Poverty’s No Crime heeft patent op nummers van gemiddeld zeven minuten met op elk album een uitschieter richting de tien minuten. De laatste tien minuten op dit schijfje zijn ingeruimd voor In The Shade, een nummer met twee gezichten. Waar afwisseling doorgaans de overhand heeft, zijn de eerste minuten voorspelbaar en neigen naar eentonigheid. Een intermezzo met fraai dubbel gitaarwerk zorgt voor de omslag. Het is de overgang waar wordt doorgeschakeld naar een hogere versnelling en intensiteit.

De intro van Schizophrenic zou zo thuishoren op de soundtrack van een horrorfilm, al is de intro maar van korte duur. Het nummer wordt al snel redelijk melodisch met strakke riffs. Qua vocalen ben ik ook erg over dit nummer te spreken. Het klinkt op sommige momenten bijna als doommetal. Tot slot het laatste (en tevens langste) nummer op het album, In the Shade. Dit nummer deed me een beetje aan het eerste nummer op het album denken, wat het een goede album afsluiter maakt. Het lijkt alsof de band daarmee de cirkel rond wilde maken.

Ondanks dat ik nog niet bekend was met Poverty’s No Crime, heb ik enorm genoten van dit album. Het is een album wat allesbehalve eenzijdig is, maar toch een geheel vormt met getalenteerde muzikanten die weten waar ze mee bezig zijn.


The End Machine – Phase 2

Jaar van Release: 2021

Label: Frontiers

The End Machine – Phase 2 coverWaar tal van muzikanten vijf jaar of langer tussen hun albums hebben zitten, blijft gitarist George Lynch in hoog tempo nieuw werk uitbrengen. Alleen al de afgelopen paar jaar waren er albums van KXM, Sweet & Lynch, Dirty Shirley, Lynch/Pilson en The End Machine. Nu hij vanwege de negatieve connotaties het gebruik van de naam Lynch Mob heeft beëindigd, zou The End Machine wel eens zijn belangrijkste bandproject kunnen worden. Phase 2 is het nieuwe album. Wanneer voormalige Warrent zanger Robert Mason bij Lynch Mob van gitarist George Lynch aansluit heeft Lynch een goede zanger gevonden. Drummer Mick Brown is vrij van Ted Nugent tour en Foreigner bassist Jeff Pilson werkt als producer aan nieuw materiaal. Samen vormen ze Dokken, alleen is Don Dokken vervangen door Robert Mason. Inmiddels is Mick Brown met pensioen en is zijn broer Steve Brown de vervanger.

Jeff Pilson en Lynch kenden hem al uit de Dokken-jaren met Mick Brown en zijn stijl bleek ook weinig te verschillen van die van zijn broer en dan is één en één twee. Voor de rest veranderde er weinig. Nog steeds schrijven Lynch, Pilson en Robert Mason de songs en met een inmiddels vermaard producer als Jeff Pilson in de gelederen is de vraag wie het album gaat produceren ook een no-brainer.

En inderdaad gaan ze lekker door waar ze met het debuut gebleven waren. Smakelijke, goed in het gehoor liggende hardrock, met het gitaarspel van George Lynch en de klassieke eighties-hardrockstijl van zingen van Mason als blikvangers. Bij de twaalf tracks zit er werkelijk niet één vuller tussen.

Het debuutalbum was een heerlijk album. Met dit album weet men een goed vervolg te brengen. Heerlijke American AOR rock dat even wat steviger is dan de poprock van Bon Jovi.

De band heeft meer tijd genomen om elkaar weer te vinden en dat is goed gelukt.  Dit album is wat feller het lijkt of Mason meer zijn drive heeft gevonden. ‘Crack the Sky’, ‘Blood and Money’ en ’Devils Playground’ zijn heerlijke songs en dan horen we ook dat dit wel een superband is geworden. Met een heerlijke knuffelrock song ‘Scars’ weet Lynch een potentiele hit te schrijven. Lekkere drives, geen moeilijk gedoe en toch lekker vet.

Net als bij het vorige album worden er geen verrassende nieuwe paden betreden, maar is het wel weer iedere keer bovengemiddeld goed. Lynch is zo’n gitarist die de riffs zo uit zijn mouw lijkt te schudden, en die vervolgens in het eindproduct voorziet van het ene na het andere detail, of het nu een proggy loopje, een vlijmscherpe mini-solo is. Waar Lynch de details niet aanbrengt zijn het wel fraaie koortjes of een fijn knorrende basgitaar. Deze mannen zijn verdomd goed in hun vak, en dat hoor je eraan af.

Net als het debuut is Phase 2 klassieke hardrock in een wat modernere productie. Het snoepje van de dag worden ze er niet mee, maar als ze dit niveau vast kunnen houden zullen ze het wel een stuk langer uithouden. En terecht.


Thunder – All The Right Noises

Jaar van Release: 2021

Label: BMG

Sinds zanger Danny Bowes, gitarist Luke Morley en drummer Harry James na het verscheiden van hun poprockbandje Terraplane in 1989 begonnen met Thunder is er heel wat gebeurd.

Thunder is die Britse sympathieke rockband, die met vette bluesrock doorspekte hardrock zichzelf op de kaart zette middels hun debuutalbum ‘Backstreet Symphony’ in 1990. Dit album en het opvolgende album ‘Laughing On Judgement Day’ uit 1992 verkochten erg goed en leverde de band veel uitnodigingen op voor support act en Special Guest optredens bij de grote jongens als Aerosmith, ZZ Top, Def Leppard, Whitesnake en Bon Jovi.

In het begin leek het succes aan te komen waaien, maar dat momentum beklijfde niet echt. Raar genoeg brak de band eigenlijk nooit echt buiten Europa door. Japan en hun eigen Engeland blijft natuurlijk een ander verhaal. In Nederland kwam de band zelfs niet verder als het clubcircuit.  In 1998 besloot de band voor de 1e keer (dit gebeurt zelfs 2 keer) de spreekwoordelijke handdoek in de ring te gooien, maar na een aantal jaren begon het vooral bij de frontmannen Danny Bowes en Luke Morley toch weer aardig te kriebelen.

Uiteindelijk waren het als eenmalig bedoelde concerten die leidden tot nieuw materiaal in 2015 met het Wonder Days-album. Sindsdien draait Thunder weer lekker, zij het met wat minder ambities. Met All The Right Noises zijn ze inmiddels toe aan het vierde album sinds die reünie.

Het vorige studio-album ‘Rip It Up’ van de Britse formatie Thunder dateerde alweer van 2017 en dus werd het weer eens tijd voor wat nieuw materiaal van dit vijftal. Natuurlijk hadden ze in 2019 ook nog de plaat ‘Please Remain Seated’ op de markt gebracht, maar dat was een unplugged album van eerder werk van de band. Op deze ‘All The Right Noises’ zijn een elftal fonkelnieuwe nummers te vinden, waarop de hardrock-elementen van de vroegere Thunder weer de boventoon voeren. De bluesinvloeden die er op het vorige album duimendik bovenop lagen, zijn nu grotendeels verdwenen en de keuze voor een meer tradioneel en melodieus hardrock-geluid is in mijn beleving erg goed uitgevallen.

Met het nieuwe album ‘All The Right Noises’ verwent Thunder ons met hun 13e studio album. Met dit album is het weer ouderwets genieten, zoals we gewend zijn van deze Britten. Alles komt weer aan bod wat deze band juist zo interessant maakt, heerlijke riffs, lekkere melodieuze rocksongs, en natuurlijke de prachtige ballads met de geweldige karakteristieke stem van de altijd vrolijke zanger Danny Bowes. De band is gelukkig alweer een aantal jaren op de goede weg!

Net als bij het laatste album met nieuw materiaal is alles geschreven door Morley, en hij nam bovendien als altijd de productie voor zijn rekening. Het album is ook in dezelfde studio opgenomen en last but not least met dezelfde muzikanten als sinds 1996, in een mix van ook weer een bekende naam in Thunderland, Mike Fraser. De grootste verandering? Een nieuwe platenmaatschappij, dat is het wel. Inderdaad, de heren zijn gewoontedieren. Dat hoor je ook in het materiaal. Het is in de basis altijd dezelfde blues geörienteerde hardrock met de nodige invloeden van Paul Rodgers, Bad Company en Free. En ja, zo zijn er meer bandjes. Maar die hebben niet de klasse van deze heren. Danny Bowes is altijd volkomen herkenbaar, met veel inhoud en volume.

Het is bijna uit te tekenen hoe het ongeveer gaat klinken. Het gitaarwerk van Luke Morley staat lekker op de voorgrond en zoals gewoonlijk zingt Danny Bowes de spreekwoordelijke sterren van de hemel. De plaat opent ijzersterk met de eerste single ‘Last One Out To Turn Out The Lights’ en het catchy refrein is na enkele luisterbeurten al niet meer uit je hoofd te krijgen. Een betere opener hadden ze niet kunnen kiezen, want het blijkt een lekker opzwepend en catchy track te zijn. Vooral de solo van Luke Morley, de achtergrondzang en de blazerssectie maakt dit een heel tof nummer. Live gaat dit nummer het zeker goed doen. Met ‘Destruction’ laat de band zich van een wat donkere kant horen. De zang is ook wat trager en zwaarder, en de sound is voor Thunder begrippen ook redelijk heavy. Lekker zwaar drumwerk en weer een sublieme gitaarsolo van Morley. Het opvolgende ‘The Smoking Gun’ heeft een ‘Wanted Dead Or Alive’ vibe. Door het bluesy akoestisch gitaarwerk waan je je zelf bijna in een cowboyfilm. Opvallend is ook de ‘talk box’ solo, erg leuk gedaan. ‘Going To Sin City’, de 1e single, is een lekkere rocker. Door het meezingbare en catchy refrein geeft deze track een party, of misschien zelfs wel een Rock Anthem gevoel. Eenmaal gehoord, en je krijgt dit nummer gegarandeerd niet meer uit je systeem! Live zal dit nummer ook erg goed aan gaan slaan. Met ‘Don’t Forget To Live Before You Die’, schotelt de band ons een heuse Led Zeppelin tribute voor. Voorzien van een vette ‘Kashmir Riff’ en vooral lekker loodzwaar drumwerk, worden de 2 Britse overleden drumbeesten John Bonham en Cozy Powel eens een dikke veer in de kont gestoken! Top!

Thunder is geen Thunder zonder ballads. ‘I’ll Be The One blijkt weer zo’n parel te zijn, met in de hoofdrol zanger Danny Bowes, die begeleid wordt door akoestische gitaar en piano. Het lijkt wel of de band patent heeft op dit soort nummers, want met ‘St. George’s Day’ leveren ze weer zon geweldige semi-ballad af. Opvallend aan dit nummer zijn de prachtige strijkers die het nummer net dat extra geeft! Kippenvel gegarandeerd!

Opvallendste track is hoogstwaarschijnlijk ‘You’re Gonna Be My Girl’, wat bij de eerste tonen gelijk een Britse Rock Sound heeft. Men hoort hier duidelijk de invloeden van een andere grote Britse band, ‘The Faces’.  Met ‘Young Man’, ‘Force Of Nature’, en ‘She’s A Millionairess’ krijgen we nog een paar vette up-tempo rocksongs voor onze kiezen met stevig en opzwepende gitaar riffs en heerlijke toegankelijke refreinen. Eigenlijk is er nergens een zwak moment te bespeuren en druipt de kwaliteit van het gehele album af. Het song materiaal is ijzersterk, de sound is kristalhelder en zowel de muzikanten als de zanger zijn in absolute topvorm, dus het moge duidelijk zijn dat ook dit dertiende Thunder studio-album een schot in de roos is. Het blijft voor mij dan ook een volslagen mysterie waarom deze band, die het zeker niet onverdienstelijk heeft gedaan, niet het grote succes heeft geoogst dat ze op basis van hun geweldige songmateriaal absoluut verdiend hadden. Eenieder die kickt op kwalitatief hoogstaande melodieuze hardrock met fantastische vocalen kan dan ook niet om deze ‘All The Night Noises’ heen.

All The Right Noises maakt de volledig titel waar.


Evanescence – The Bitter Truth

Jaar van release: 2021

Label: BMG

De Amerikaanse rockband Evanescence bestaat ruim 25 jaar in 2021. Ze wonnen twee Grammy-Awards en verkochten wereldwijd meer dan 23 miljoen albums. Het nieuwe album met de titel ‘The Bitter Truth’ wordt 26 maart gelanceerd. Op dit 5e studio-album (dat via Sony Music uitkomt) staan 12 nummers. Er zijn al een paar singles uitgebracht, waaronder ‘Yeah Right’. Deze heeft op You Tube al meer dan 1 miljoen views. Alles bij elkaar heeft de band op You Tube al ruim 2 miljard(!) views.

Fans kijken al een hele tijd uit naar ‘The Bitter Truth’, want het is alweer tien jaar geleden dat er een album werd uitgebracht met nieuwe nummers, dit was ‘Evanescence’. Hierna verscheen ‘Synthesis’ (2017). Hierop stonden maar twee nieuwe nummers. De overige nummers waren orkestrale versies van oudere nummers ‘Synthesis’ kreeg heel terecht lovende recensies. Want de oudere nummers hadden een prachtige, soms licht klassieke, metamorfose ondergaan.  De verwachtingen voor ‘The Bitter Truth’ zijn om verschillende redeneren hoog gespannen. Evanescence is trouw gebleven aan hun kenmerkende epische geluid, de singles die zijn uitgekomen vallen dus goed in de smaak bij de fans. Dat komt niet alleen door de goede tracks, maar ook omdat ‘The Bitter Truth’ geproduceerd is door Nick Raskulinecz (onder andere Foo Fighters en Rush).

Evanescence is dan na tien jaar eindelijk terug met een regulier studio-album. Na de vorige langspeler Evanescence (2011) was het een tijdje stil rond de band. Amy Lee was op zoek naar zichzelf en nam de tijd voor andere dingen dan de rockster uithangen. Sinds enkele jaren is de formatie rond haar weer veelvuldig in het nieuws. Zo trad de band in 2017 op in Tilburg en op Graspop en een jaar later stond deze in AFAS Live te Amsterdam voor een speciale Synthesis-show met orkest. Na afloop van die tour kwamen de bandleden bij elkaar en waren ze het er snel over eens dat de opvolger The Bitter Truth steviger moest zijn dan zijn voorganger. Back to the roots, maar tevens modern.

En zo klinkt de vierde full-length (Synthesis niet meegerekend) ook. Het is een mix van de voorgaande albums met een moderne sound en productie (Nick Raskulinecz). Hoewel de muziek raakvlakken heeft met het verleden, staat het volwassen The Bitter Truth vooral op zichzelf. Het is de stevigste collectie songs in de discografie. Dat komt doordat de metal- en rockelementen prominenter dan voorheen in de mix staan. Zo krijgt de ritmesectie veel ruimte. Zodanig dat de plaat af en toe flink beukt, zoals tijdens de breakdowns in “The Game Is Over” en “Use My Voice, twee van de vijf singles.

Sommige teksten zijn persoonlijk, ze vormden als het ware een therapiesessie voor Amy. Als je eenmaal dicht bij je gevoel bent gekomen, is het niet zo moeilijk om in grote lijnen een persoonlijke tekst te schrijven. Maar het is, aldus Amy, wel moeilijk om precies de juiste woorden te vinden, en deze met de juiste emotie te zingen. Ze probeert om uit een slechte situatie of gebeurtenis iets goed te halen. Natuurlijk had de Covid pandemie invloed op het album, er is meer passie en meer diepgang in de nummers gekomen.

Die vijf singles geven een goed idee van wat je kunt verwachten. Alleen “Yeah Right” (grunge meets het elektronische Muse) is een wat vreemde eend in de bijt. “The Game Is Over” behoort samen met het politiek getinte “Use My Voice” en de powerballad “Wasted On You” tot de sterkste tracks. Het refrein van “Better Without You” doet de oude tijden nog het meest herleven.

De Amerikaanse groep heeft echter meer te bieden dan de hits. Na de triphop-achtige intro is het namelijk “Broken Pieces Shine” dat direct indruk maakt. Daarnaast kan ook “Feeding The Dark” (dat triphop en alternatieve rock combineert) op veel positieve reacties rekenen.

Amy Lee klinkt sterker dan ooit tevoren. Luister eens naar het prachtige, filmische rustpunt “Far From Heaven”. Ze is nog altijd uit duizenden herkenbaar met haar door Beth Gibbons (Portishead) en Björk geïnspireerde, emotionele voordracht. De negenendertigjarige zangeres varieert uitstekend. Bovendien komt ze met veel refreinen die al snel blijven hangen. Tevens zijn de backingvocalen mooi uitgewerkt. Daarbij speelt gitariste Jen Majura (sinds 2015 vast bandlid) een belangrijke rol. Met name in “Feeding The Dark” stuwen de verschillende vocale bijdragen elkaar tot grotere hoogte. In “Use My Voice” krijgt het duo hulp van veel gastzangeressen, waaronder Taylor Momsen, Lzzy Hale, Lindsey Stirling en Sharon den Adel.

“The Bitter Truth” laat een sterk en gemotiveerd Evanescence horen. Het album bevat veel energie en de nummers hebben veel overtuigingskracht. Er is veel variatie, maar de volgorde van de tracklist voorkomt dat het een verzameling losse nummers is. Alleen Yeah Right staat wat op zichzelf. Met het bijna Prodigy-achtige Take Cover staat er slechts een enkel minder memorabel nummer tussen. Onder de streep overheerst een gevoel van bovengemiddelde tevredenheid. Evanescence is terug met een zwaar, krachtig en hoopgevend album.


Evergrey – Escape of the Phoenix

Jaar van Release: 2021

Label: AFM Records

 Wanneer in het gezegende jaar 1995 ene Tom Englund de band Evergrey oprichtte, hadden er weinigen gedacht dat diezelfde band anno 2021 nog steeds springlevend zou zijn. Niet alleen zag dit collectief het levenslicht in Gothenburg – nota bene het epicentrum van de melodeath – maar daarnaast stond het progressieve genre op dat ogenblik nog nagenoeg in de spreekwoordelijke kinderschoenen. 25 jaar later is het geesteskind van Tom Englund te beschouwen als een van de grootste progressieve metalbands binnen het hele circuit, al moeten we jammer genoeg toegeven dat de band, en bij uitbreiding het subgenre in haar totaliteit, geheel onterecht nog steeds flink ondergewaardeerd wordt. De heren van Evergrey laten het alleszins niet aan hun hart komen en zijn op 26 februari met Escape of the Phoenix toe aan album nummer 12, dat zal verschijnen via AFM Records. Het gaat de laatste jaren behoorlijk goed met Evergrey. Zeker na de terugkeer van gitarist Henrik Danhage en drummer Jonas Ekdahl, in 2014, laten de platen van de Zweedse progressieve/melodieuze metalformatie een hervonden spelplezier horen. Met deze oudgedienden terug in de gelederen is de muziek van het gezelschap ook weer een stuk technischer en uitdagender geworden

Na de trilogie heeft Evergrey zichzelf de ruimte gegeven om vanuit een blanke start Escape Of The Phoenix te schrijven.

Op muzikaal gebied is Evergrey nooit een band geweest die lang ter plaatse is blijven trappelen. Mits eerder subtiele wijzigingen is het geluid van deze heren album na album blijven evolueren, hetgeen duidelijk hoorbaar is op deze nieuwste telg. Escape of the Phoenix is zonder enige zin voor overdrijving misschien wel het beste werk van Evergrey tot op heden. Het lijkt dan ook wel of persoonlijke tegenspoed en kwaliteitsvolle muzikale composities rechtstreeks met elkaar in verhouding staan.

In plaats van te opteren voor een weemoedige intro, gooit Evergrey op deze twaalfde worp meteen de knuppel in het hoenderhok wat resulteert in een ijzersterk openingsduo waarbij het tempo voortdurend zeer hoog ligt en waarbij deze heren duidelijk maken dat ze wel degelijk garant staan voor progressive metal en niet voor progressive rock.

De eerste twee singles “Forever Outsider” en “Eternal Nocturnal” die Evergrey van het album trok, zijn meteen allebei een schot in de roos waarbij toevalligerwijs het accent in de refreinen stevig ligt op de twee woorden uit de titel. Vanaf de start van “Forever Outsider” besef ik hoezeer ik Evergrey gemist heb (hoewel het vorige werk nog geregeld gedraaid wordt). Het is alsof je een goede vriend lange tijd niet gezien hebt en je in je gesprek verder gaat waar je de vorige keer gebleven bent in plaats van het plaatsen van beleefdheidsvragen bij aanvang. Er ligt meteen een aanstekelijke melodie te wachten die met een stuwende ritmesectie als kruiend ijs vooruitschuift maar waar op het juiste moment toch ruimte is voor een ingehouden ritme. De titel en teksten zijn daarbij zeer.

 De tweede single “Eternal Nocturnal” heeft een krachtige start en het is de intense zang van Tom dat je grijpt. Er wordt prachtig toegewerkt naar het refrein dat ergens als een liefdesliedje gezien kan worden. Als strohalm in een moeilijke periode, waaraan je je kunt klampen. Vooral in het stuk waar Tom en gitarist Henrik Danhage elkaar aanvullen in solo’s ligt er een goede groove aan dit spel ten grondslag. Door heel even in te houden in het spel creëert Evergrey naar het einde een mooi contrast.

Met “Where August Mourn” zet Evergrey zich ten aanzien van dit nieuwe album helemaal op de kaart. Het is werkelijk een klassieke Evergreycompositie. Een compositie die opgebouwd is uit meerdere lagen en een borrelende spanning in zich heeft. Een compositie waarbij er een siddering door je heen gaat wanneer de muziek zich nestelt in je. Op een gegeven moment wanneer je bent meegezogen in de maalstroom van “Where August Mourn” krijgen de compositie en het tempo ineens een wending en zet een ferme onregelmatige riff de boel danig op zijn kop.

Het volgende “A Dandelion Cipher” waarbij de band in flinke vaart de compositie aftrapt, maar maakt ruimte voor innemende zang waarbij op de achtergrond het ritme voorzichtig doorgaat. Met een muzikale golf je mee op de sfeer van de melodie. Soms oplaaiend als vuur en dan weer rustiek met een stuk a-capella.

Ook titelnummer “Escape Of The Phoenix” zet de lijn door. Opvallend voor mij bij Evergrey zijn de boodschappen die de teksten herbergen. Ook in “Escape Of The Phoenix” is dat zo waarbij de Phoenix metafoor kan zijn voor je eigen leven waaruit je wilt breken. Een bewustwording van de structuur in je leven die voor sommigen als een dwangbuis aanvoelt. Henrik Danhage heeft al laten horen op het album wat een waardevolle speler hij is in de band, maar lijkt zichzelf hier te overtreffen. Hij wordt daarin gestimuleerd door het stevige drumwerk van Jonas Ekdahl die zich zeker niet onbetwist laat. Op een gegeven moment komt er een ontlading met een heimachine aan drumslagen en een zinderende gitaarsolo. De zangmelodie staat sterk als een rots in het muzikale decor. Het is intens en kent een krachtig einde.

Dat gitaargeluid is zeer bepalend ook bij “Leaden Saints” dat samen met “Run” het album afsluit. Run is een bijzondere compositie omdat het geheel wat luchtiger lijkt te klinken. Voor mij is “Run ook de compositie waarin toetsenist Rikard Zander meer op de voorgrond treedt. Daarbij is Run de compositie die ergens tussen de meer krachtige composities en de rustige in beweegt. Want ook de passie en de emotie komen sterk aan bod op Escape Of The Phoenix. Over het algemeen onderhuids ontluikt het in bijvoorbeeld Stories. Een soort van powerballad waarin zang en piano de aanzet geven voor een intense muziekervaring. Het krijgt verderop een vervolg in “In The Absence Of Sun”. Dit is van het begin tot het einde kippenvel op je lijf. Evergrey werkt vanuit de emotiebasis naar krachtige taferelen om weer terug te keren naar de basis met het gitaarspel als brug.

Wat dat betreft kan het niet op en is het Tom die in de powerballad “You From You” zich helemaal mag uitleven in een gitaarsolo die zeker niet gedomineerd wordt door snel vingerspel, maar door de gehele intentie en droefheid die “You From You” eigenlijk uitstraalt.

En daar is tenslotte “The Beholder”, muzikaal goed in elkaar en we mogen zeker niet vergeten dat het het spel van Rikard hierbij ook een rol speelt. Meegezogen in de stroom komt er een punt waarin James LaBrie zijn bijdrage laat gelden. Evergrey heeft vaker gastbijdragen wanneer een compositie erom vraagt. Hier vonden ze unaniem dat het stemgeluid van James hier paste en het is werkelijk waar. De stemmen van James en Tom passen ook uitstekend in het plaatje.

Nog geen twee jaar na het uitstekende The Atlantic is Evergrey sneller dan verwacht terug met een nieuwe plaat. Al hadden we het eigenlijk wel voelen aankomen dat een nieuwe plaat niet al te lang in de koelkast zou blijven steken. Bandleider Tom Englund heeft het namelijk nooit onder stoelen of banken gestoken dat muziek alleen maar tot stand kan komen uit gevoelens en emoties die het gevolg zijn van ramp en tegenspoed. De voorbije jaren waren voor de man in kwestie dan ook zowel op wereldwijd als op privegebied op zijn zachtst uitgedrukt geen topjaren wat geleid heeft tot deze Escape of the Phoenix.

Misschien op papier een kleine nuance, maar op muzikaal gebied een wereld van verschil. “Where August Mourns” zou bovendien zo maar eens kunnen uitgroeien tot een van de allerbeste songs van het nieuwe jaar.

Het mag gezegd worden dat Tom Englund heel het album op dreef is en dat geldt voor heel de band, zodat we hier weer een topplaat in hun oeuvre tegemoet kunnen zien. Met deze twaalfde langspeler komt Evergrey energiek en overtuigend voor de dag. Het is een plaat die een zeer breed publiek zal aanspreken.


Joel Hoekstra’s 13– Running Games

Jaar van Release: 2021

Label: Frontiers Music

Bij de naam van Joel Hoekstra denk je snel aan een Nederlander, maar dit keer gaat het om een Amerikaan met Nederlands bloed. Als gitarist heeft hij in USA gespeeld bij Nightranger en The Rock of Ages Broadway show. Tegenwoordig is hij te zien als gitarist bij Whitesnake en Trans-Siberian Orchestra. En ja, Covid tijd geeft de ruimte om zijn 3de solo- album te maken.

Denk van de Frontiers-projecten wat je wilt, maar Hoekstra, Sherinian, Allen, Franklin, Appice tezamen is méér dan een line-up van een supergroep! Dit schept uiteraard hoge verwachtingen. In tegenstelling tot op voorganger Dying To Live (2015) neemt Russell Allen de zang volledig voor zijn rekening en werd Jeff Scott Soto naar de achtergrondzang verdrongen. Een prima zet, want ik kan zonder moeite de hele dag naar Russells superieure stem luisteren.

En wat voor een! Hoekstra is in de hogere regionen belandt en dat is te horen en te zien aan de lijst van medewerkers. Naast de heerlijk bassende Tony Franklin (Blue Murder, Firm en Manfred Mann) is de basis gelegd met Vinny Appice ( Black Sabbath en DIO). Derek Sherinian (Dream Theater, Sons Of Appollo eva) schuift weer achter de toetsen en Russel Allen (Symphony X) verzorgt de zang partijen.

Daarvoor heeft Joel Hoekstra trouwens ook al 3 instrumentale albums op eigen naam voor de gitaaradepten onder ons uitgebracht. Bezig baasje, deze sympathieke en toch ook alweer 50-jarige Amerikaan uit Iowa. Waar op het vorige album ‘Dying to Live’ (2015) de vocalen nog eerlijk verdeeld waren tussen zijn TSO-maatjes Russell Allen (Symphony X, Adrenaline Mob) en Jeff Scott Soto (Malmsteen, Journey, Sons of Apollo), krijgt hier Russell Allen de voorkeur

Dan begin je album al lekker, maar moet je het ook waarmaken. Dat doet Hoekstra als geen ander. De muziek is vergelijkbaar met het vorige album, al komt deze qua songmateriaal en productie nog net wat steviger én beter uit de verf. Een kleine progressie dus, ook al blijft het een mix van invloeden van Dio, Whitesnake, Foreigner, Night Ranger etc. Geen rocket science, ook weinig onbewandelde maar veel platgetreden paden helaas. Maar deze melodieuze classic rock smaakt wél erg lekker. Het gebodene is voorzien van een mooie open productie van Joel himself, waar ook vooral de kamerbrede gitaartapijten heerlijk in het gehoor liggen.  

 In opener Finish Line is de riff geïnspireerd door DIO’s We Rock en versterkt door Vinnie Appices strakke opzwepende drums, zorgt dit direct voor een nostalgische trip naar 1984. Naast DIO wordt de muziek ook beïnvloed door het op blues gebaseerde geluid van Whitesnake en door melodieuze bands als Foreigner en Journey.

Eerste single Hard to Say Goodbye is een heel melodieuze, pakkende hardrocksong, die zo op een Allen/Lande-album had kunnen staan. Het blues rockende Heart Attack kent een Jon Lord-achtige keyboard intermezzo van Sherinian, gevolgd door een heerlijke gitaarsolo. Er zijn veel geweldige songs, maar ook een commercieel nummer zoals Lonely Days, wat een soort dertien-in-een-dozijn gevoel geeft.

Ieder nummer afzonderlijk bespreken heeft weinig zin, aangezien het niveau erg constant is, zonder echte uitschieters naar boven of beneden. Het blijft netjes binnen het rockende couplet-refrein-couplet-refrein-brug-solo-refrein stramien. Geen nummer valt uit de toon, alles klinkt even vet en overtuigend, maar iets meer avontuur of een echt rustpuntje halverwege had dit naar een nog hoger plan getild. Om er toch nog enkele highlights uit te halen: het sologedeelte in ‘Fantasy’ is prachtig, evenals het drumwerk. Het midtempo ‘Lonely Days’ ligt extra lekker in het gehoor en schuurt tegen de AOR aan. ‘Reach the Sky’ heeft het mooiste refrein en erg vet baswerk. ‘Cried Enough For You’ start als een ballad, maar gaat toch al snel richting headbang-snelheid inclusief shred-solo van de foutloos spelende Hoekstra. Eindelijk, in de afsluitende titelsong ‘Running Games’ komen dan toch de akoestische gitaren tevoorschijn en ondersteunen een Russell in een mooie en gevoelige ballad.

Op dit album valt eigenlijk weinig aan te merken. De nummers zijn op zich prima, net als de productie. Er wordt op zeer hoog niveau gemusiceerd, met een opvallende rol voor het overrompelende drumwerk van Vinnie Appice, maar ook een Sherinian krijgt alle ruimte in diverse duels met Hoekstra. Die laatste soleert vingervlug en afwisselend, met een mooie toon. Russell Allen zingt zeer overtuigend en afwisselend, wat een talent die man

 Het furieuze Take What’s Mine begint met een vrij eenvoudige vers en refrein, maar heeft de beste instrumentale passage van het album, met een uitgebreide solo-plek afgewisseld tussen Hoekstra‘s gitaar en Derek Sherinian’s keyboards. Het mooie, akoestische titelnummer eindigt het album met een mix van cello, viool, percussie en ingetogen zang.

 Voeg de meesterlijke mix van Chris Collier daaraan toe en het resultaat is heerlijke klassieke hardrock uit de jaren ’70/’80 met de kracht van 2021. Dit project is vergelijkbaar met het excellente Level 10 – Chapter One (2012) van hetzelfde label, waar Russell Allen werd gekoppeld aan de gitaristen en ritmesectie van Primal Fear.

 Hoekstra laat hier (wederom) zien en horen dat hij een van de betere melodieuze rockgitaristen op dit moment is. Mooi album!

 


Inglorious – We Will Ride

Jaar van Release: 2021

Label: Frontiers Music

Niemand zal mij kunnen beschuldigen van onpartijdigheid wat betreft Inglorious. De band rond vocale krachtpatser Nathan James. Want niemand verwachtte dat dit jonge zooitje ongeregeld zo’n goeie en old school bluesy hardrock ging brengen. Een ware revelatie.

We Will Ride kwam er niet zonder slag of stoot. Na de opnames van het vorige album Ride to Nowhere zat het niet helemaal lekker. Waarschijnlijk ook al tijdens de opnames, want ondanks dat het een goed album was, waren de eerste twee albums simpelweg geweldig. Het verschil in niveau was ondanks de kwaliteit wel te merken. Nieuwkomers Danny de la Cruz & Dan Stevens (beide gitaar) en Vinnie Colla (bas) completeerde de band naast zanger Nathan James en drummer Phil Beaver waarmee ze meteen een nieuwe wind door de band joegen en dat is te merken aan hun nieuwe langspeler. Het Engelse klassieke rockvehikel rondom superstrot Nathan James is toe aan album nummer vier in zes jaar tijd. De heer James is wellicht niet de meest makkelijke om mee samen te werken? Hopelijk houdt hij het met zijn huidige collega’s wat langer vol, want die zijn toch medeverantwoordelijk voor wat ik hun meest volwassen en eigenlijk gewoon beste release tot nu toe vind. Met name de pas 21-jarige gitarist Danny Dela Cruz is een enorm talent en verrijkt elke song met sprankelend zes snarenwerk.

Voor het eerst werd er gewerkt met een echte producer, Romesh Gogandoda (o.a. Bullet For My Valentine, Motörhead), in plaats alleen een mixer (Kevin Shirley deed de vorige twee albums). Een goeie zet, want het geluid is transparant, fris en vermoeit geen moment de trommelvliezen. Muzikaal blijft het een mix van invloeden uit Deep Purple, Bad Company en een snufje Zeppelin, waarbij Nathan’s stem wel wat raakvlakken heeft met een iets hoger zingende Coverdale. De reden dat ook hij af en toe bij Tans-Siberian Orchestra mee toert. De liefhebbers weten genoeg. De elf songs zijn allemaal van een prima constant niveau, zonder veel uitschieters of tegenvallers. En ook al zijn de bewandelde paden over het algemeen wat platgetreden, zoals vrijwel altijd in dit classic rockgenre, het heeft net genoeg eigen smoelwerk om op te vallen.

Het riff-heavy en snelle ‘She Won’t Let You Go’ als opener is lekker in-your-face en heeft mooie zanglijnen en een dito refrein. Terechte eerste single dus. Dela Cruz overtuigt meteen met zijn eerste vingervlugge solo. ‘Messiah’ is wat melodieuzer en valt vooral op door de ingetogen coupletten, waarna het heavy refrein er des te lekkerder in knalt. Fijne song! Wat Zeppelin en Whitesnake- invloeden horen we in het navolgende midtempo ‘Medusa’. Waarna eerste hoogtepunt ‘Eye of the Storm’ met zijn ingetogen start op het juiste moment komt, alvorens in het catchy refrein lekker los te gaan. De dynamiek binnen het nummer tilt het net even naar een hoger niveau.

De AOR-achtige ‘Cruel Intensions’ heeft een vergelijkbare opbouw en een riff die ik al vaker heb gehoord, maar de stem van Nathan en de mooi opgebouwde solo redden de song van de middelmaat. Het bluesy ‘My Misery’ ontwikkelt zich tot een episch nummer met zijn fijne gitaar- en baswerk en dat bombastische refrein vol dramatiek. Hoogtepunt nummer twee! Daarna vallen ‘Do You Like It’ en het snellere ‘He Will Provide’ helaas meer in de categorie ‘goed, maar al eerder gehoord’. Al maakt de spannende brug en navolgende prachtsolo van Dela Cruz in die laatste heel veel goed.

 Maar het venijn zit in de staart van dit album. Het zware en melodieuze ‘We Will Meet Again’ met zijn fijne intro, hakkende gitaarwerk en meezingchorus is prima. Het dynamische ‘God Of War’ is afwisseling troef, met een wat melancholisch zingende Nathan en een mooie tempoversnelling aan het eind. Het typische Inglorious nummer ‘We Will Ride’ sluit het album overtuigend af met een kamerbreed en wat donker refrein.

Kortom, een album dat weliswaar weinig verrassingen kent, maar een dusdanig hoog niveau heeft dat het geen straf is om er herhaaldelijk naar te luisteren. Per album worden ze net wat beter, dus dat belooft wat voor de toekomst.


W.E.T.- Retransmission

Jaar van Release: 2021

Label: Frontiers Music 

De supergroep W.E.T. komt in 2021 met een nieuwe plaat aanzetten. Gelouterde muzikanten hebben de krachten samengebundeld en gelukkig bleef dat niet bij ‘maar’ een album, wat we ooit wel zien bij projecten. De band maakt een melodische hardrock. Dit is het vierde album van de heren en komt net iets minder dan twee jaar na ‘Earthrage’. 

De naam W.E.T. komt van de bands waar de mannen ook in spelen/gespeeld hebben. De W komt van Work of Art, waar we Rober Såll van kennen. De E van Eclipse, daarvan is Erik Mårtensson en last but zeker not least Jeff Scott Soto’s voormalige band Talisman. Verder bestaat de groep nog uit Magnus Hendriksson, Andreas Passmark en Robban Bäck. 

In 2009 kwam het debuut uit en daarop staat tot nu toe ook hun grootste hit ‘One Love’. De muziek is heerlijke AOR met her en der een net wat pittiger randje. Ook dit nieuwe ‘Retransmission’ staat weer vol met fijne riffs, pakkende refreinen en goede solo’s. Dit is muziek die je niet zomaar uit je hoofd gaat krijgen. Vergeleken met eerder werk van de mannen kunnen we stellen dat deze plaat net een tikkie steviger is over het algemeen genomen, hij voelt verder energieker aan. Het staat werkelijk waar vol met sterke songs, waar eerdere albums af en toe nog wel eens een oké nummertje hadden, is alles op ‘Retransmission’ meer dan oké. 

Met opener ‘Big Boys Don’t Cry’ zetten ze gelijk goed in. Stevige riff en een refrein waar je niet omheen kunt. Het is er een die dagen blijft hangen. Als dan het album vordert kom je haast alleen maar nummers tegen waarbij dit het geval is. Misschien zijn het niet allemaal refreinen die blijven hangen, maar riffs, bridges zijn net zo memorabel. 

Laatste twee nummers ‘How Do I Know’ en ‘One Final Kiss’ behoren tot de beste tracks. Eerstgenoemde komt met een geniale solo. Ook ‘One Final Kiss’ heeft een sterk gitaarwerk. Beide refreinen zijn echte oorwurmen. Dit alles op een heerlijke melodie, veel beter wordt het niet. 

‘How Far To Babylon’ laat horen hoe de bas en drums een nummer kunnen dragen. Mede door de lichte tempowisselingen is dit een zeer interessant nummer geworden.

We kunnen dus wel stellen dat W.E.T. wellicht met deze plaat een van de betere AOR/melodische hardrock albums heeft afgeleverd na de hoogtijdagen van het genre. Dit is een must hear voor elke fan van melodische rock, een heuze parel. Aan het einde heb je haast geen stem meer over. Dit zal zeker niet de enige plaat worden uit het genre dit jaar, maar de heren leggen de lat in ieder geval behoorlijk hoog.


Labyrinth- Welcome To The Absurd Circus

Jaar van Release: 2021

Label: Frontiers Music

In 2016 werd het Italiaanse Labyrinth uit hun zes jaar durende opnamepauze gehaald om een ​​nieuw studioalbum te creëren, wat resulteerde in de zeer fijne Architecture of a God. Met dit album maakten de Italiaanse progressieve/power metalrockers Labyrinth een vrij triomfantelijke terugkeer, maar daarna gebeurde er niet veel. Dit werd gevolgd door Return To Live een cd/dvd-set van hun optreden op het eerste jaarlijkse Frontiers Metal Festival in 2017.

 Gitarist Olaf Thorsen maakte in 2020 een album met zanger Mark Boals (die zich op een gegeven moment zou aansluiten bij Labyrinth) onder de naam Shining Black en rond de release van dat cd-nieuws kwam naar boven dat Labyrinth ook plannen had voor een nieuw hoofdstuk in hun lange geschiedenis. Ondertussen was drummer John Macaluso vervangen door Mattia Peruzzi, maar de kern van de band (Thorsen, zanger Roberto Tiranti, mede-oprichter/gitarist Andrea Cantarelli, toetsenist Oleg Smirnoff en bassist Nik Mazzucconi) bleef intact en in de eerste maand van het nieuwe jaar voegen deze doorgewinterde veteranen nog een album toe aan hun catalogus die begon in 1996 met ‘No Limits’.

Voor de meeste metalfans behoeft Labyrinth weinig introductie. Sinds 1994 is het sextet een van de baanbrekende Italiaanse en klassieke Europese progressieve power metal bands. Returned To Heaven Denied uit 1998 wordt tot op de dag van vandaag nog steeds als een klassieker beschouwd. “Welcome To The Absurd Circus” van dit jaar is ook van een behoorlijk niveau. Zoals gewoonlijk bevat het album de bekende muzikale kenmerken van Labyrinth: de groove van power metal doordrenkt met dubbele gitaarriffharmonie en zinderende solo’s, een flinke scheut synthesizerversiering en sterke vocale arrangementen met de veelzijdige Robert Tiranti. Het is duidelijk dat de band is opgericht door twee gitaristen, Andrea Cantarelli en Olaf Thorsen, een enorme muur van riffs en stortvloed van stekelige solo’s kun je dan ook verwachten. Deze dingen zijn overvloedig aanwezig op het hele album, met indrukwekkend gitaarspel.

Vooral Roberto Tiranti is de man die de show steelt met zijn grote bereik, zijn unieke gevoel voor melodie en de manier waarop hij zich weet te bewegen tussen alle stemmingswisselingen die de elf nummers op deze plaat karakteriseren. Meestal omgeven door een metalen rand die door de stevige riffs van Thorsen en Cantarelli deze liederen hebben (stuk voor stuk) een enorme verscheidenheid en op podia ook prachtige arrangementen. Maar nooit geeft Labyrinth je de indruk dat ze verdwalen in hun eigen ‘labyrint’. Ja, de nummers zijn soms ingewikkeld, maar vanwege de super heldere productie en geluid is het allemaal vrij gemakkelijk te volgen.

Labyrinth legt ook de “kracht” in hun progressieve power metal met veel nummers die snel en zwaar zijn, zoals Live Today, The Absurd Circus en Sleepwalker. Met A Reason To Survive levert Labyrinth een klassieke metalballad met Tiranti’s fijne stem over akoestische gitaar verpakt in een symfonische synth-context. Waar Tiranti alsware zangles geeft en laat horen dat hij zijn stem helemaal onder controle heeft. Je zou verwachten dat het nummer volledig uitbarst op een bepaald moment, maar dat gebeurt niet

Het is verbazingwekkend hoe een nummer als “Live Today” of “Words Minefield” gewoon indruk maken met hun afwisseling. Dit is progressief power metal zoals het zou moeten zijn als je het mij vraagt. Zelfs de Ultravox cover “Dancing With Tears In My Eyes” klinkt prachtig in de Labyrinth-versie. Het album eindigt met een harde noot in de vorm van ‘Finally Free” waar de gitaren en het tempo van de track, laat zien dat ook op een ander vlak de kracht van Labyrinth ligt en waar toe de muziek kan ontwikkelen. Maar ook sommige delen van dit nummer zijn zeer melodisch. Dit is een album dat is heel indrukwekkend in meer dan een opzicht. Het is een fijne combinatie van sterke muzikaliteit, uitstekende zang en variatie in overvloed. Alles bij elkaar genomen is Labyrinth’s Welcome To The Absurd Circus weer een vermakelijk album met hun kenmerkende creatieve en boeiende progressieve power metal. Fans van de band en het genre mogen het niet missen. Gemakkelijk aan te bevelen.